tag:blogger.com,1999:blog-31054018307893849842024-03-12T17:02:45.632-07:00El pintor de la vida modernaBlog de arte contemporáneoCarloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.comBlogger13125tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-42065966905222973072009-12-10T04:46:00.000-08:002009-12-10T05:16:32.052-08:00PLAY: Violeta Caldrés en la galería Luis Gaspar<meta equiv="Content-Type" content="text/html; charset=utf-8"><meta name="ProgId" content="Word.Document"><meta name="Generator" content="Microsoft Word 12"><meta name="Originator" content="Microsoft Word 12"><link rel="File-List" href="file:///C:%5CUsers%5CCasa%5CAppData%5CLocal%5CTemp%5Cmsohtmlclip1%5C01%5Cclip_filelist.xml"><link rel="themeData" href="file:///C:%5CUsers%5CCasa%5CAppData%5CLocal%5CTemp%5Cmsohtmlclip1%5C01%5Cclip_themedata.thmx"><link rel="colorSchemeMapping" href="file:///C:%5CUsers%5CCasa%5CAppData%5CLocal%5CTemp%5Cmsohtmlclip1%5C01%5Cclip_colorschememapping.xml"><!--[if gte mso 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Espero que os acerquéis a visitarla.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;"><span style="font-style: italic;">
<br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span style="font-size:85%;">
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span style="font-size:85%;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqCO5Ml6CP2vGaAgqSUkpkKwZhEXsvpcnG7oCHn75WwgiCT0evMWIqMREQys6pKP229E1pV5VfvVc0io2CrRI4h3lHPEAIjjfAIabNgEkZtcWRGhcKD321kVjf89FvtNnpZU0szGiykYnw/s1600-h/FLYER+EXPO+LUIS+GASPAR+10X15+copia.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 266px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqCO5Ml6CP2vGaAgqSUkpkKwZhEXsvpcnG7oCHn75WwgiCT0evMWIqMREQys6pKP229E1pV5VfvVc0io2CrRI4h3lHPEAIjjfAIabNgEkZtcWRGhcKD321kVjf89FvtNnpZU0szGiykYnw/s400/FLYER+EXPO+LUIS+GASPAR+10X15+copia.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5413591110037977634" border="0" /></a></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span style="font-size:85%;">
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;">
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;">
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;"><span style="font-weight: bold;">Caleidoscopio y juego de espejos,</span> la obra de Violeta Caldrés despliega ante nuestros ojos las infinitas complicaciones de la identidad y sus múltiples reflejos. Con sus formas ambiguas, su poderoso cromatismo y su inquietante complejidad, estos dibujos y recortables parecen surgidos del caos y, sin embargo, dan forma a una imagen definida y esclarecedora de las topografías íntimas de la vida contemporánea.</span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;">
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;"><span style="font-size:85%;">
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;"><span style="font-size:85%;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpHLtKcuk-PNOc3wKAsi2rlKsUDv3ZfSYUvMbHPOnYMFXWGoo9yuGmvYwht_Mb1X0Z_i3HLqi7JOXtNv5V_JJTjAoaAKkJ1L0OKjW67U_mHABDPwvXJ4lqWwvWtOLhd1fk0OxoKaVli5UL/s1600-h/IMG_3909.JPG"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 267px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpHLtKcuk-PNOc3wKAsi2rlKsUDv3ZfSYUvMbHPOnYMFXWGoo9yuGmvYwht_Mb1X0Z_i3HLqi7JOXtNv5V_JJTjAoaAKkJ1L0OKjW67U_mHABDPwvXJ4lqWwvWtOLhd1fk0OxoKaVli5UL/s400/IMG_3909.JPG" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5413591116561737970" border="0" /></a></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;"><span style="font-size:85%;">
<br /></span></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;"><o:p> </o:p></span></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;">El título del proyecto, “Play”, es enormemente ilustrativo. L<span style="font-weight: bold;">as relaciones de poder, las transacciones sentimentales, el amor como moneda de cambio y la fisicidad de las emociones son asuntos representados en forma de asunción de roles, de reglas pactadas, de juego infantil –en definitiva- para adultos.</span> No es casual tampoco que el recortable se convierta aquí en soporte expresivo: las piezas se montan, se desmontan, se combinan entre sí y son intercambiables. Sin embargo, no hay ningún tipo de ingenuidad; el juego es la actividad más seria que existe y, en la obra de Violeta Caldrés, el juego tiene connotaciones nada triviales. La crisis económica y social que impregna todo afecta también al modo en que el hombre y la mujer capitalizan su cuerpo, su deseo y su sexualidad. Lo sexual –por ejemplo, lo genital- tiene en estos dibujos una fuerte presencia, y cumple dos objetivos; por un lado, subraya de manera exultante la importancia vital de esta dimensión humana y, por otro, cosifica el cuerpo para convertirlo en herramienta de negociación, en mercancía y en generador de oportunidades.
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;">
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span style="font-size:85%;">
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span style="font-size:85%;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCQYFR9THZi0QTlbH7vfvo3D2UDn0D5DLBJMjPZ-74Lm7wQX6p_Pu_a5pn681AvIlw66rp2uLvE0V8x2bl0t89c2InE_d_QeCIz8As25nZzRtJYs3RnM8RogwG_yzATpq9dQlZo6cOJv-c/s1600-h/IMG_3948.JPG"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 267px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCQYFR9THZi0QTlbH7vfvo3D2UDn0D5DLBJMjPZ-74Lm7wQX6p_Pu_a5pn681AvIlw66rp2uLvE0V8x2bl0t89c2InE_d_QeCIz8As25nZzRtJYs3RnM8RogwG_yzATpq9dQlZo6cOJv-c/s400/IMG_3948.JPG" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5413591127793305634" border="0" /></a></span></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span style="font-size:85%;">
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span style="font-size:85%;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpHLtKcuk-PNOc3wKAsi2rlKsUDv3ZfSYUvMbHPOnYMFXWGoo9yuGmvYwht_Mb1X0Z_i3HLqi7JOXtNv5V_JJTjAoaAKkJ1L0OKjW67U_mHABDPwvXJ4lqWwvWtOLhd1fk0OxoKaVli5UL/s1600-h/IMG_3909.JPG">
<br /></a></span></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span style="font-size:85%;"><i style=""><span lang="ES-TRAD"><o:p> </o:p></span></i></span></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;">En sus dibujos, Violeta Caldrés busca sobre todo la autenticidad, lo inmediato y la comunicación directa con el espectador a través de la recreación de escenas cotidianas y simbólicas. <span style="font-weight: bold;">Aquí lo que importa es el gesto –perfectamente depurado, por otro lado- que se transforma en escritura, en caligrafía íntima, en puesta en práctica de un lenguaje ya consolidado y con entidad propia.</span> De hecho, el criterio que prevalece en estas obras es el de lo comunicativo, lo compartido, lo comprensible. La obra de Caldrés tiene mucho que ver con el arte popular, con claves icónicas manejadas durante siglos en culturas muy diversas. En ese sentido, nos encontramos ante una artista muy española, con lo que este adjetivo contiene de directo, pasional, emocional y, también, de asunción de distintas tradiciones iconográficas: la imaginería hindú –por ejemplo, en la disposición de los cuerpos- o el folclore árabe son influencias atípicas que proporcionan a estas obras una profundidad que, sin embargo, va mucho más allá de un simple pastiche multicultural. Muestra de ello es su delicado cromatismo casi finisecular –un poderoso contraste de rojo y negro sobre fondo siempre blanco- y, sobre todo, la enorme eficacia de su lenguaje. Lo bueno y lo malo, lo noble y lo indigno, lo feliz y lo trágico, lo infantil y lo erótico participan en este baile de máscaras que es “Play”, en esta infinita variedad basada siempre en componentes fácilmente identificables por todos: el cuerpo, el sexo, la mirada, el corazón o el dinero. Pasen, vean y reconózcanse.
<br /></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;">
<br /></span></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;"><span style=""> </span><b style="">Carlos Primo</b></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: courier new; text-align: justify;font-family:courier new;"><span style="font-size:85%;">
<br /></span></p><div style="text-align: justify;"><blockquote style="font-family: courier new;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size:85%;"><b style="">+info: </b></span><span style="font-size:85%;"><a href="http://violeta1caldres.wordpress.com/">http://violeta1caldres.wordpress.com/</a></span></blockquote></div><p></p><div style="text-align: justify;"> </div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; font-family: courier new;"><span lang="ES-TRAD"><o:p> </o:p></span></p> Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-87044600635281782132009-11-17T16:59:00.001-08:002009-11-17T17:52:55.693-08:00Germán Gómez<div><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5a1jHSW1aV1w0Ka8tqWZA8E8dCZWdaGeTdiwDjUIDXzGJvuCCSEGsmLKjkz6t_XqXcMUz9ywARMHHyG5W9EHWOU9fFubxb-wXJhXQjZbqOQskiilIA4x40vmXVfQO2G436x5oGmQEl4iZ/s1600/condenadoretratoVI.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247316379456242" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5a1jHSW1aV1w0Ka8tqWZA8E8dCZWdaGeTdiwDjUIDXzGJvuCCSEGsmLKjkz6t_XqXcMUz9ywARMHHyG5W9EHWOU9fFubxb-wXJhXQjZbqOQskiilIA4x40vmXVfQO2G436x5oGmQEl4iZ/s400/condenadoretratoVI.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">Es un poco más tarde de las diez y media de la mañana cuando llamo al portero automático. Escaleras arriba, Germán me saluda con una gran sonrisa y me invita a pasar a su estudio. En una de las paredes, cuatro grandes fotografías que me recuerdan mi primer contacto con la obra de <span style="font-weight: bold;">Germán Gómez </span>(Gijón, 1972)<span style="font-weight: bold;">.</span> Fue hace unos años en ARCO, donde expuso en un stand monográfico una selección de su serie <span style="font-weight: bold; font-style: italic;">Fichados / Tatuados</span>. Ya entonces me sorprendió uno de sus rasgos más distintivos: su manera sincera y frontal de retratar con inmensa sensibilidad cuerpos y rostros aparentemente vulgares. La misma sinceridad está presente en el trato personal de este madrileño nacido en Asturias, tremendamente atento y que vive rodeado de obras propias y ajenas que, en su estudio, adquieren una dimensión especial y conforman una suerte de biografía mural.<br /><br /></span></div><span style="font-family:courier new;"><br /></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdSRJ1_iGA_EX7AEKQX9tPw2rBUm46J-Uc1nhgYC08tAi46Rm3ywJrHLjX98gq_KAcALyChV2FVG14cEdwizufkfa4SE0PSJKoNVDiwmzHjnaZUo6gOv_0YNjCBS7V_RqYIkMzzix_MTzU/s1600/condenadoretratoXII.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 389px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247828576880210" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdSRJ1_iGA_EX7AEKQX9tPw2rBUm46J-Uc1nhgYC08tAi46Rm3ywJrHLjX98gq_KAcALyChV2FVG14cEdwizufkfa4SE0PSJKoNVDiwmzHjnaZUo6gOv_0YNjCBS7V_RqYIkMzzix_MTzU/s400/condenadoretratoXII.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family:courier new;">No es de extrañar que durante todo nuestro encuentro suene en algún punto del estudio un disco de arias de <span style="font-weight: bold;">Haendel</span>. El barroco es una de las referencias estéticas básicas para entender la obra de Germán Gómez. Ya en 2001 una pequeña serie dentro de “<span style="font-weight: bold; font-style: italic;">Yo, tú, él,ella, nosotros, nosotras, vosotros, vosotras, ellos, ellas”</span> (recientemente recogido en un libro editardo por <a href="http://www.exitmedia.net/#">EXIT</a>) estaba consagrada a recrear fotográficament</span><span style="font-family:courier new;">e algunas de las pinturas más famosas de <span style="font-weight: bold;">Caravaggio</span>. Ahora, algunas de estas obras cuelgan de las paredes de su estudio.</span><br /></div><span style="font-family:courier new;"><br /></span></div><span style="font-family:courier new;"><br /></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiseegAqMQp2jAs0PpECGzIkFESggjEH-XpAdjKbeZdsmyz9EzIqpmQSZC_EdqINmWnOn9vETOHj7tM92d9WtZZ3Pn8tETeyE2Vx2SMhhXgpYhdxdPSBS5GQGFxQrod0m7fyM-dxwR3-KIc/s1600/color-0026.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 174px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405246767328670770" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiseegAqMQp2jAs0PpECGzIkFESggjEH-XpAdjKbeZdsmyz9EzIqpmQSZC_EdqINmWnOn9vETOHj7tM92d9WtZZ3Pn8tETeyE2Vx2SMhhXgpYhdxdPSBS5GQGFxQrod0m7fyM-dxwR3-KIc/s400/color-0026.jpg" border="0" /></a><br /><div style="text-align: justify;"><span style="font-family:courier new;">En ellas, la luz violenta cae rotunda y precisa sobre los protagonistas, niños y adolescentes discapacitados que de este modo adquieren una fuerza plástica de una estremecedora belleza. Los modelos para estas imágenes fueron los alumnos de Germán, que por aquel entonces trabajaba como profesor en un colegio de Educación Especial y que ya había empleado este mismo motivo en sus primeros trabajos fotográficos. Algunas de estas obras fueron las que le valieron, en 2001, el Primer Premio Nacional de Fotografía Injuve, uno de los puntos de partida fundamentales en su carrera como artista plástico. Desde hace unos años, la <span style="font-weight: bold;">Galería Fernando Pradilla</span> representa, difunde y vende sus obras y, gracias a ello, hoy por hoy Germán Gómez vive de su producción artística, que le ha llevado a exponer en varios continentes y ser uno de los nombres más cotizados de la creación española actual.</span><br /></div><span style="font-family:courier new;"><br /></span><span style="font-family:courier new;"><div align="justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdiLaiejVLhqDgWwpKquYr2eXyd5Za4FgxOz-3cb8Jmgm0PnuQ6zZfXhKalts-5hxEp6zzIXpa2gmbo1_zLmuMbRA5-hc4x3b7o51BkNrhRM0UzjPoOZtM77bVA9amxz7EAxMymtSAov0r/s1600/color-0011-0.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 132px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405246756770729842" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdiLaiejVLhqDgWwpKquYr2eXyd5Za4FgxOz-3cb8Jmgm0PnuQ6zZfXhKalts-5hxEp6zzIXpa2gmbo1_zLmuMbRA5-hc4x3b7o51BkNrhRM0UzjPoOZtM77bVA9amxz7EAxMymtSAov0r/s400/color-0011-0.jpg" border="0" /></a></div></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8XrvrK_TToRj7ILIrfrCHdfqnHvm6pRCGIuym-_0nhFfRe7TJJtEeE8cPrYguIbVFj_EoXydtcEW2160QcjqPt82iKjP7HjSmyy8jgWs5poPxpq2zB1SQNc2mVV_k_rSDc048uA3f2pP9/s1600/color-0011-2.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405246762302863506" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8XrvrK_TToRj7ILIrfrCHdfqnHvm6pRCGIuym-_0nhFfRe7TJJtEeE8cPrYguIbVFj_EoXydtcEW2160QcjqPt82iKjP7HjSmyy8jgWs5poPxpq2zB1SQNc2mVV_k_rSDc048uA3f2pP9/s400/color-0011-2.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">Pero volvamos a lo que verdaderamente importa. Ya en estas obras, Germán establecía uno de sus principales focos de interés: l<span style="font-weight: bold;">a belleza inherente a lo aparentemente imperfecto, a lo defectuoso, a lo irregular.</span> Sus fotografías en contadas ocasiones muestran rostros o cuerpos perfectos; él lo corrobora y manifiesta su preferencia por lo particular, los defectos que dotan de singularidad a una persona: “no me interesa la perfección. Si sumáramos rasgos perfectos para construir un rostro ideal probablemente obtendríamos un monstruo”. Quizás es esto lo que se propone con su serie “<span style="font-weight: bold; font-style: italic;">Compuestos”</span>: una serie de retratos construidos a partir de recortes de otros retratos yuxtapuestos y cosidos. El resultado es inquietante y enormemente expresivo. En una época en la que los medios digitales permiten construir falsas perfecciones con absoluta minuciosidad, Germán Gómez opta por coser con hilo estos retazos para dejar a la vista su proceso compositivo y reivindicar la materialidad de su creación. De este modo, estos rostros inexistentes elaborados a partir de costuras plantean directamente <span style="font-weight: bold;">la idea de la construcción de la belleza y la creación de monstruos perfectos, de criaturas de Frankenstein, de identidades mutiladas y recompuestas en busca de un ideal que se revela trágico e inexistente.</span></span></div><span style="font-family:courier new;"><br /></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhik7sRpzn2gx0xyn6fgAAy4R9Ezk7ImFn5W3jAReb1OqCEciKuJw9Pk7WFXl3Mi1kmfXytVZRa7gMMYTGSBn6RRamFDJsmWSe-iUsdrYRN6mSuQk9qYW8KUUIY_aIwAx9ba6uMC-tFxCMD/s1600/LaurentHoracioBert.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247847136822882" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhik7sRpzn2gx0xyn6fgAAy4R9Ezk7ImFn5W3jAReb1OqCEciKuJw9Pk7WFXl3Mi1kmfXytVZRa7gMMYTGSBn6RRamFDJsmWSe-iUsdrYRN6mSuQk9qYW8KUUIY_aIwAx9ba6uMC-tFxCMD/s400/LaurentHoracioBert.jpg" border="0" /></a><br /><span style="font-family:courier new;"><div align="justify"><br /></div></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4YT-JEriBfCM2BF64fjtDIf2TpDeM0OU4Um5uFtYhX1-Sjk2gsJQVmU-OiGodf-QctlMkSJpFqm3u5LJL6w0eXzByn5UqzBmDnhd_rX6b78GMPVc5eXtq2hPF08Ohmvuso4Jd8JbEMhl_/s1600/OscarAlejandroFelipePaul.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 395px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405248008011329282" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4YT-JEriBfCM2BF64fjtDIf2TpDeM0OU4Um5uFtYhX1-Sjk2gsJQVmU-OiGodf-QctlMkSJpFqm3u5LJL6w0eXzByn5UqzBmDnhd_rX6b78GMPVc5eXtq2hPF08Ohmvuso4Jd8JbEMhl_/s400/OscarAlejandroFelipePaul.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">Porque si algo caracteriza la obra de Germán Gómez, es la absoluta honestidad de su mirada. Sus imágenes transmiten la inmediatez de lo real y manifiestan su interés por lo fisonómico. “Me interesan los rostros y, sobre todo, los ojos, las miradas”, afirma. Por ello, quizás, en sus obras huye de los modelos profesionales o de personas con mucha experiencia ante una cámara. La búsqueda de modelos para sus obras se convierte entonces en una labor continua y siempre inacabada. Conocidos, gente encontrada por la calle... en su búsqueda de lo auténtico, las sesiones de toma de fotografía suponen una auténtica investigación acerca de la persona que tiene delante. “Siempre retrato a personas que significan algo para mí, que tienen una relación más o menos cercana conmigo”, afirma, y añade: <span style="font-weight: bold;">“no soy capaz de retratar a gente de la que no sé nada. Me interesan los cuerpos que cuentan una historia”</span>. Las miradas tímidas, oblicuas, huidizas de sus modelos son otro de sus señas de identidad. Posan como posa cualquiera, miran como mira cualquiera, y Germán es capaz de captar esa inexperiencia que, en el fondo, es uno de los elementos que más autenticidad aporta a sus obras. Por ello quizás siente predilección por los grandes formatos, a tamaño natural, por la iluminación precisa y frontal y por las composiciones sencillas. A través de todos elementos, la mirada del personaje retratado cobra vida, sale de la superficie fotográfica y se presenta tal cual es ante los ojos del espectador, que tiene la impresión de estar viendo algo demasiado frontal, demasiado inmediato, demasiado vivo.<br /><br /></span></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg-yXLX56aMhVhYm9t-mSe0tYaowSENyf6LFLknbKpKtAEMfoZoE06H7lKtgO9Iwt4_dC35DghVLNdXyp9qRr4l0bZXP0bdArKjv6EjoBq_G36zqy-_DwUUaHt_CYQJ5LTV53A-Yx53tcz/s1600/condenadoretratoVIII.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247825549615170" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg-yXLX56aMhVhYm9t-mSe0tYaowSENyf6LFLknbKpKtAEMfoZoE06H7lKtgO9Iwt4_dC35DghVLNdXyp9qRr4l0bZXP0bdArKjv6EjoBq_G36zqy-_DwUUaHt_CYQJ5LTV53A-Yx53tcz/s400/condenadoretratoVIII.jpg" border="0" /></a><br /><span style="font-family:courier new;"><br /><div align="justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1fjqBVSCNLlUkw7PIZi4t493-4FGQdC0vBPlsUwgCWMJ9kHDhTNtTLSSQ-zptJ_mpwR8bwkSfbqYoKmrct6aVOTl5vg1esQhB_M57iZIjuHbFUUXYs1SoRDpoV7Cwp4xmghqapiZbUo4h/s1600/Busto+Compuesto+I.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405246753769092466" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1fjqBVSCNLlUkw7PIZi4t493-4FGQdC0vBPlsUwgCWMJ9kHDhTNtTLSSQ-zptJ_mpwR8bwkSfbqYoKmrct6aVOTl5vg1esQhB_M57iZIjuHbFUUXYs1SoRDpoV7Cwp4xmghqapiZbUo4h/s400/Busto+Compuesto+I.jpg" border="0" /></a></div></span><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">La razón de todo esto probablemente sea que Germán Gómez no es sólo un fotógrafo ni un retratista. Es un artista con un fuerte componente conceptual que, a través de los rostros y los cuerpos ajenos, siempre habla de un único tema: él mismo. Sorprende hallar este elemento autobiográfico en un creador que jamás se representa directamente en sus obras y que, como buen fotógrafo, es reticente a ser fotografiado. Sin embargo, Germán Gómez es uno de esos artistas que entienden su trabajo como <span style="font-weight: bold;">comunicación, confesión y texto manuscrito</span>. El ejemplo más claro de ello quizás sea la ya citada serie <span style="font-weight: bold; font-style: italic;">Fichados / Tatuados</span>: cincuenta retratos masculinos a tamaño natural donde los protagonistas muestran sus tatuajes. Cada retrato va acompañado por una ficha policial donde, además de los datos de cada individuo y de una clasificación física un tanto fría (raza, color de ojos...) y delicitiva (con datos como el nivel de agresividad o consumo de drogas), un pequeño apartado refleja las marcas físicas del “fichado”, sus cicatrices y tatuajes.<br /><br /></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq-wRvfAXRCHDcnoWttaQXu5ed_d4eMoxBeHg-XwX3ROQEZIJU-WevXQCd4WSHfGCk7LL4P8qxsvHZQV5K9zL0eB0ob8zSCIesFbvAjSgPSByuyorqJEDtEjHkAorTjXnWj1klbnmjHA0g/s1600/ta1038.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 399px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405248012517209538" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq-wRvfAXRCHDcnoWttaQXu5ed_d4eMoxBeHg-XwX3ROQEZIJU-WevXQCd4WSHfGCk7LL4P8qxsvHZQV5K9zL0eB0ob8zSCIesFbvAjSgPSByuyorqJEDtEjHkAorTjXnWj1klbnmjHA0g/s400/ta1038.jpg" border="0" /></a><br /></div><span style="font-family:courier new;"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 282px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405246378963815746" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFLWkeOxnrqHrrCrKeCYCALUjfWwfYDpFWA1EGZycDotFHU-kuPXv930hFkfOvixtsBox876vSczqSMcGqRMWFS7eWUdGpFKc72fvY4OsigYoOQ7PqWOmiJCUZwsd4rt3lKNoCu-4ETT7c/s400/1038.jpg" border="0" /></span><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">Hasta aquí podríamos estar hablando de un proyecto fotográfico al uso, de un trabajo conceptual acerca de la identidad y nada más (lo cual ya sería una obra considerable). Sin embargo, las imágenes cobran un nuevo sentido por el hecho de que l<span style="font-weight: bold;">os motivos de los tatuajes son la condensación simbólica de 50 elementos de la biografía del fotógrafo</span>. Palabras, imágenes, retratos o iconos pueblan los cuerpos de estos personajes que se convierten de este modo en páginas de una confesión vital. Por otro lado, la elección del tatuaje en vez de otro modo de representación dice mucho acerca de la forma en que Gómez entiende el mundo: la vida deja marcas, cicatrices, huellas que difícilmente pueden ser borradas, como si fueran tatuajes. En el fondo, el artista es el fichado y el tatuado. El uso de este lenguaje, encuadrado en el resto de la obra del autor, conduce inevitablemente a una pregunta acerca del material expresivo que utiliza Germán Gómez, que es tanto la fotografía, en la que demuestra un talento más que notable, como e<span style="font-weight: bold;">l uso del cuerpo humano como lienzo, como soporte de un lenguaje que –ahora lo comprendemos- difícilmente puede ser expresado de otro modo.<br /><br /></span></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_xCbZn1DKd8EOjLFag2J3xXHBAkxmtuKRq856cD9gmV9ldxhVs33b6aK5SzPTwrutH_Ld-cHRu5daelSfsK9N8xXSVt1eINOAeq6IXUqP146KJ1-UY5ppySKbw9Yas8_aA16-C73Xv4kA/s1600/ta1045.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 399px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405248013624471554" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_xCbZn1DKd8EOjLFag2J3xXHBAkxmtuKRq856cD9gmV9ldxhVs33b6aK5SzPTwrutH_Ld-cHRu5daelSfsK9N8xXSVt1eINOAeq6IXUqP146KJ1-UY5ppySKbw9Yas8_aA16-C73Xv4kA/s400/ta1045.jpg" border="0" /></a><br /></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhn3sIbs9fw7cQpaxx-Hm7A4E8T2S4-W3-k_jENKbXEbnM5F8Ysx7XceGlp_w9UjoR7X2jTv0iYHnRmgk3pREPneVlZYLC3QbvqUBs4HbSksoawpoi9n96F9VERCP7tsnctszBiP_g7IoL4/s1600/1045.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 282px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405246747048065394" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhn3sIbs9fw7cQpaxx-Hm7A4E8T2S4-W3-k_jENKbXEbnM5F8Ysx7XceGlp_w9UjoR7X2jTv0iYHnRmgk3pREPneVlZYLC3QbvqUBs4HbSksoawpoi9n96F9VERCP7tsnctszBiP_g7IoL4/s400/1045.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><span style="font-weight: bold;">“Sólo me interesan los artistas que hablan de sí mismos, de lo que les interesa, de lo que les duele”</span>, cuenta Germán mientras da un sorbo a su café y juguetea con su nuevo compañero de piso, un cachorro que responde al peculiar nombre de Haendel. Ya en sus años de estudiante, su profesora, la celebérrima <span style="font-weight: bold;">Cristina García Rodero</span> le aconsejó que fotografiase aquello que le gustara, que le interesara, que realmente quisiera contar. Desde luego, no se le puede negar cierta clarividencia a la que hoy por hoy es de lejos la mejor fotógrafa de este país: Germán Gómez ha construido una carrera sólida a través, fundamentalmente, de una enorme sinceridad respecto a su obra. No se trata tanto de una exhibición brutal a lo Tracey Emin como de la dolorosa verdad de la pintura de Bacon, de un arte como lenguaje íntimo, como mensaje claro y profundo dirigido al espectador. En su serie <span style="font-weight: bold; font-style: italic;">“Del susurro al grito”</span>, por ejemplo, ha querido plasmar el momento en el que la catástrofe (la enfermedad, la tragedia, los fracasos personales) disloca por completo la vida de un individuo, que es el modelo que posa. La imagen se convierte así en catarsis y también en reflejo de la desolación, la desesperación y la rabia que encuentran su expresión en el grito: grito de un grito, doblemente grito, cada fotografía es la constatación de un humanismo consciente, una verificación de los límites del cuerpo y un viaje a las simas más profundas del hombre, que no por oscuras dejan de ser humanas.</span></div><span style="font-family:courier new;"><br /></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6h5o48L94nejsmti-DaYyRAUCN5yWHiFJAfHnuDAwfWNwetNqLgqv_6GDYEKsUwjQk7qNiuu_ooSlJyHFiRSS1okgwmt74rB5BPKX_LD1GFNjFFIRlx6d0pRgAjUXRFNO0pQwyaOmJf8k/s1600/dioniII.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247843343080018" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6h5o48L94nejsmti-DaYyRAUCN5yWHiFJAfHnuDAwfWNwetNqLgqv_6GDYEKsUwjQk7qNiuu_ooSlJyHFiRSS1okgwmt74rB5BPKX_LD1GFNjFFIRlx6d0pRgAjUXRFNO0pQwyaOmJf8k/s400/dioniII.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">En una línea parecida, uno de sus últimos trabajos, <span style="font-weight: bold; font-style: italic;">“Condenados”</span>, es una monumental serie de fotografías cosidas y encapsuladas que reproducen con una fidelidad extrema las figuras que Miguel Ángel colocó en la parte intermedia (entre el Cielo y el Infierno) de su Juicio Final en la Capilla Sixtina.<br /><br /></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEZRD9iUE1rx40R-JcY07tnKzcmJljhaCvwSyU24inX7vBLv2vBN48lL1uBbsENwJm2DyltXtEOQnroDWnMIQTUexlthfmUZp87DZdF4FRg6F-V_rVbYhOfp6ziWxNeUg-s-3mGWikEuJG/s1600/condenadoVII.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 204px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247840335175794" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEZRD9iUE1rx40R-JcY07tnKzcmJljhaCvwSyU24inX7vBLv2vBN48lL1uBbsENwJm2DyltXtEOQnroDWnMIQTUexlthfmUZp87DZdF4FRg6F-V_rVbYhOfp6ziWxNeUg-s-3mGWikEuJG/s400/condenadoVII.jpg" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0GN7wRW89QsxZ7VEb2gs9E-LgRcyO98eXcDOrXuRAyCGqkR6ZD8SKEexxkvxLOE0okDbWIz443WBphgTw82Rik2XDwjFVTez1NvgCvilVI48TBNuiemR0VmT6lOK3SHQKv2JKO9P6n_M6/s1600/condenadoIII.JPG"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 268px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247296942786818" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0GN7wRW89QsxZ7VEb2gs9E-LgRcyO98eXcDOrXuRAyCGqkR6ZD8SKEexxkvxLOE0okDbWIz443WBphgTw82Rik2XDwjFVTez1NvgCvilVI48TBNuiemR0VmT6lOK3SHQKv2JKO9P6n_M6/s400/condenadoIII.JPG" border="0" /></a><br /><span style="font-family:courier new;"><br />Además de un guiño a la sensibilidad barroca y manierista de Buonarroti –un artista por cuya biografía y obra se confiesa fascinado- Germán Gómez ha buscado subrayar el carácter absolutamente trasgresor de unas composiciones que en su momento el florentino camufló bajo el pretexto de su inspiración bíblica y apocalíptica y que en realidad suponían <span style="font-weight: bold;">una doble provocación</span>: una formal, debido a lo explícitamente erótico de los cuerpos, sus posiciones y la interacción entre ellos, y otra moral, ya que Miguel Ángel situó en este estrato a todos aquellos personajes que durante su vida le habían perjudicado. Los “<span style="font-weight: bold; font-style: italic;">Condenados”</span> de Germán Gómez prosiguen esta labor de condensación simbólica en ambos sentidos. Por un lado, al presentarse de manera aislada y fotográfica, las torturadas composiciones revelan una reflexión directa y desnuda sobre la belleza del cuerpo masculino desvelado y en tensión y, por otro, los protagonistas de estas obras, los modelos, son personas que, por una razón u otra –su raza, su nacionalidad, su enfermedad, su orientación sexual o su posición social- son los “condenados” del siglo XXI, los considerados por parte de la sociedad bienpensante como disfuncionales o marginales. Aunque en una vertiente más social, <span style="font-weight: bold;">los <span style="font-style: italic;">“Condenados”</span> de Germán Gómez son obras que van mucho más allá del muy postmoderno gesto de apropiación de una obra ajena:</span> son una expresión de las inquietudes del autor y de su voluntad comunicativa y estética.<br /><br /></span></div><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY56EJgBBdMK56y5m_YGUNjOBPVHyw989JJrT3KxT8MIi0YnaBIOFCR87kXu9F8hcVHxAazmD7AdS15VreB7PGUgHm2LKyeJpXtvoF8dQ5OfrcghrGQb5eHQFzR_lhXyUBlpWiuoiBaH_z/s1600/condenadoretratoII.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247305731621906" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY56EJgBBdMK56y5m_YGUNjOBPVHyw989JJrT3KxT8MIi0YnaBIOFCR87kXu9F8hcVHxAazmD7AdS15VreB7PGUgHm2LKyeJpXtvoF8dQ5OfrcghrGQb5eHQFzR_lhXyUBlpWiuoiBaH_z/s400/condenadoretratoII.jpg" border="0" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuozSI8ZldA3Mae-yfu6pAQnsdvVI4K9IK9Z_H9K6YQcDwMKbMW6eNdpZ0b9DrdbT5xI6myV-R1XuvR4J2KhCt4saWg7SxsbMbv6P6HdHGnwhc8SRojXQAUhX2VYQDpQ3CtWBR0LQlDt9m/s1600/condenadoretratoI.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247300552452674" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuozSI8ZldA3Mae-yfu6pAQnsdvVI4K9IK9Z_H9K6YQcDwMKbMW6eNdpZ0b9DrdbT5xI6myV-R1XuvR4J2KhCt4saWg7SxsbMbv6P6HdHGnwhc8SRojXQAUhX2VYQDpQ3CtWBR0LQlDt9m/s400/condenadoretratoI.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">Esta sinceridad, como no podía ser de otro modo, impone sus propias condiciones en el juego que Germán practica. Durante la entrevista, me comenta que sus obras están derivando en estos últimos tiempos hacia una estética más dura, menos retórica, quizás menos amable. Probablemente sea el precio que tenga que pagar por decir la verdad en sus obras. Sin embargo, me cuesta creer que esto vaya a restar atractivo a su producción. Probablemente sea un resultado más depurado, más refinado aún. <span style="font-weight: bold;">Pero, violenta o no, incómoda o no, es difícil que nunca desaparezca en su obra su mayor baza: una irrefutable belleza que tiene algo de terrible y de doloroso y que, más que un rasgo de estilo, es toda una declaración de principios.</span></span></div><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibBIgA39XSx81Vmp1e1tDKExhQ5PmtMKWLqpHycqE2nkkCnxtFIKJJF5rbCTMip-9yhpj4hPje6C2BPhe9922pQM6v9BAwZ6YmDcSUTrWAlrv4SKZumEdPSQZkZS3kHFsdQhGcSsKOi2uA/s1600/condenadoretratoV.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px; display: block; height: 400px;" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405247310829000866" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibBIgA39XSx81Vmp1e1tDKExhQ5PmtMKWLqpHycqE2nkkCnxtFIKJJF5rbCTMip-9yhpj4hPje6C2BPhe9922pQM6v9BAwZ6YmDcSUTrWAlrv4SKZumEdPSQZkZS3kHFsdQhGcSsKOi2uA/s400/condenadoretratoV.jpg" border="0" /></a><br /><span style="font-family:courier new;"></span><blockquote><span style="font-family:courier new;">+info:</span><br /><a style="font-family: courier new;" href="http://www.germangomez.es/">http://www.germangomez.es</a><br /><a style="font-family: courier new;" href="http://www.galeriafernandopradilla.com/">http://www.galeriafernandopradilla.com/</a></blockquote><br /><br /><br /><div></div></div>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-88416743910898050092009-09-06T04:39:00.001-07:002009-09-06T05:08:48.709-07:00Abdul Vas<div style="text-align: justify; font-family: courier new;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwVcQXegy2Ex-xWjZkMx-r4XDvTRTT71rx_BRm8sQ4aVMBAg6l_RdNRu832f5OgxlzSGQK7KlHEOk1oEi7oFjNTtnoeNWq3OVrD1eytxpqRAXhYEoIvF1MzvpD8x89OJV254RtLnHPgC2C/s1600-h/3585358421_83cd06e4a5.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 280px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwVcQXegy2Ex-xWjZkMx-r4XDvTRTT71rx_BRm8sQ4aVMBAg6l_RdNRu832f5OgxlzSGQK7KlHEOk1oEi7oFjNTtnoeNWq3OVrD1eytxpqRAXhYEoIvF1MzvpD8x89OJV254RtLnHPgC2C/s400/3585358421_83cd06e4a5.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318359992336674" border="0" /></a></div><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><br /></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;font-family:courier new;" class="MsoNormal">Esta semana el artista venezolano <span style="font-weight: bold; color: rgb(255, 0, 0);">Abdul Vas</span> inaugura una exposición individual en <span style="font-weight: bold; color: rgb(255, 0, 0);">La Fresh Gallery (Madrid)</span>. Con el título de “<span style="font-weight: bold; color: rgb(255, 0, 0);">Anything goes”</span>, el “todo vale” que parece ser la filosofía de este artista se convierte también en su mayor baza: una provocadora ausencia de prejuicios que llena su obra de energía, sinceridad y agresividad: todo menos medias tintas.</p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="text-align: justify; font-family: courier new;font-family:courier new;" class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="text-align: justify; font-family: courier new;font-family:courier new;" class="MsoNormal">El imaginario personal de Abdul Vas pasa por la apropiación de elementos de la vida contemporánea made in U.S.A.: j<span style="font-weight: bold;">ugadores de baseball</span> (Cincinnati Reds, magníficamente analizados por Raúl Zamudio en <a href="http://www.lafreshgallery.com/webfresh.nsf/Menu?OpenFrameSet&Frame=frmTop&Src=/webfresh.nsf/pgeMainFrame%3FOpenPage%26AutoFramed">el texto que acompaña esta muestra</a>), <span style="font-weight: bold;">estrellas del porno </span>(como Sasha Grey, en la que se centran buena parte de las obras de su inequívoca serie “Amazing Gape”) o los omnipresentes <span style="font-weight: bold;">AC/DC</span>, cuya influencia estética, como él mismo reconoce, es innegable y constante. Vas recrea estos elementos a través de pinturas, dibujos, fotomontajes o fotografías alteradas. Empleando normalmente una paleta cromática muy restringida, en la que predominan el rojo, el negro y los grises, el artista logra un resultado visualmente impactante y emocionalmente visceral.</p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="text-align: justify; font-family: courier new;font-family:courier new;" class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" face="courier new" class="MsoNormal">Porque ahí es donde reside su valor más seguro y su mayor logro expresivo: en una emotividad agresiva, irracional, expresionista que, aplicada a los ya citados iconos de la cultura masiva, genera un resultado contradictorio y violento, un <span style="font-weight: bold;">descenso a los infiernos</span> del que el espectador no sale indemne. Para ello, Abdul Vas emplea dos recursos básicos.<br /></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" face="courier new" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH3HivzMsJxtBndXaHgZx7T25HT-Hhtqf-qLIunXRzLZmPjS8pcAlvZy0d7Yc2xO5ehlF6v-97zA-omkyti7KkpSFpABPTeF8TWJ8ScMKag_v-2nFhKLlyY3fvTEZtUT4OP7rO_ddulVtn/s1600-h/3610390255_2b32c40d4b.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 400px; height: 399px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH3HivzMsJxtBndXaHgZx7T25HT-Hhtqf-qLIunXRzLZmPjS8pcAlvZy0d7Yc2xO5ehlF6v-97zA-omkyti7KkpSFpABPTeF8TWJ8ScMKag_v-2nFhKLlyY3fvTEZtUT4OP7rO_ddulVtn/s400/3610390255_2b32c40d4b.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318375217888626" border="0" /></a><br /><o:p></o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" face="courier new" class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" face="courier new" class="MsoNormal">El primero es la <span style="font-weight: bold;">deshumanización</span> de los personajes que retrata. Emplea para ello <span style="font-weight: bold;">deformaciones</span> obvias (la grotesca erotización de sus jugadores de baseball, por ejemplo, con genitales descomunales y poses sexuales claramente hardcore) que desembocan en las <span style="font-weight: bold;">cabezas de pájaros</span> (pollos, como él los llama) que ostentan todos sus protagonistas. Subraya así su animalidad, convirtiendo estos ídolos de masas en instintivas y hormonales bestias antropomorfas, en figuras salidas de una alegoría barroca, en un ejército infernal (como lo califica Zamudio).</p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" face="courier new" class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal">El segundo recurso corresponde a un <span style="font-weight: bold;">empleo enormemente expresivo de la superficie material de la obra</span>. Las pinturas están marcadas por un uso brutal del pigmento, una abigarrada profusión de líneas en sus primeras obras, y una radical delimitación de las formas en sus últimos lienzos, construidos muchas veces a partir de dos niveles cromáticos que articulan la imagen a través de manchas bien diferenciadas. Aquí, la pincelada es más gruesa, y es la mancha y no la línea lo que determina la organización del cuadro.<br /></p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg54U5irzWv2rpF0lZwvIwDN4wZAmic5cZ5EjovOmpsIyM3VBxOVbrbwjEgMi5831XmETMgoGTxnhC9u8Z85ZKHUkjspab2YVUxVJbW3wtEmczcRWLTsT3zgBQogVvAwRMgnSz4ETC5t8b2/s1600-h/3610339761_b3882db0a0.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 400px; height: 397px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg54U5irzWv2rpF0lZwvIwDN4wZAmic5cZ5EjovOmpsIyM3VBxOVbrbwjEgMi5831XmETMgoGTxnhC9u8Z85ZKHUkjspab2YVUxVJbW3wtEmczcRWLTsT3zgBQogVvAwRMgnSz4ETC5t8b2/s400/3610339761_b3882db0a0.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318367504787634" border="0" /></a></p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal">Por otro lado, la superficie de la obra está cargada de <span style="font-weight: bold;">símbolos</span>, de incisiones tatuadas o grabadas sobre la imagen originaria, como ocurre en sus fotografías de Sasha Grey, en las que sobre la imagen fotográfica se ha ejercido una sistemática alteración destinada a resaltar determinados elementos o a cargarlos de violencia u obscenidad. Todos hemos pintarrajeado encima de una fotografía cualquiera. Abdul Vas parte de esta estética (por ejemplo, sus constantes inscripciones del logo de AC/DC) para cargar sus imágenes de significados y alusiones. Del mismo modo, su empleo de<span style=""> </span>té Senok, de loción Tom Ford o Comme des Garçons en sus retratos de deportistas añade más niveles de contenido a lo meramente representado.</p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhNWAXlImUfXzoS2VSUUYlBPq80S77Okh6f151fJzo9WVp2t-BL6pCYUCeNp-KaFSx-pGiT0UHvJJQTJnnnD__8mKKidfxmt_OhIFemgDBCR0cUTD5Z9EFc2VvOlaHI9ghDkASdPe4linm/s1600-h/hombre.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 274px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhNWAXlImUfXzoS2VSUUYlBPq80S77Okh6f151fJzo9WVp2t-BL6pCYUCeNp-KaFSx-pGiT0UHvJJQTJnnnD__8mKKidfxmt_OhIFemgDBCR0cUTD5Z9EFc2VvOlaHI9ghDkASdPe4linm/s400/hombre.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318792156542178" border="0" /></a></p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /><o:p></o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal">Abdul Vas ha construido (y sigue construyendo) u<span style="font-weight: bold;">na obra coherente que indaga en los aspectos menos transitados de la cotidianeidad y, sobre todo, en la importancia de los símbolos, los iconos y las representaciones en la vida contemporánea.</span> El resultado es visualmente impactante, intelectualmente compacto y en resumen, enormemente sólido. Hasta ahora, Vas se ha movido con soltura en bienales y muestras en entornos comercial y geográficamente muy dispares. <span style="font-weight: bold;">A partir del jueves 10 de septiembre</span> (la inauguración es a las 19.30 h.), su exposición en <span style="font-weight: bold;">La Fresh Gallery</span> (Conde de Aranda 5, Madrid) será ya un hito más en una carrera consistente y muy creíble.</p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /></p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4GkbqShEnKu5vp5ajIAdgbvQ8hGHMsVzY4PfJaaPcgVx77JS2tmu_UMoLWbyg3w0ERF1wMOXp6SPk1UEzfSFgO3bRtcEbD4XUnC7CP4rj5iC9DwsSeniGjz9-0N6ZKPMkub3i0Z0dIcso/s1600-h/pajaro.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 350px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4GkbqShEnKu5vp5ajIAdgbvQ8hGHMsVzY4PfJaaPcgVx77JS2tmu_UMoLWbyg3w0ERF1wMOXp6SPk1UEzfSFgO3bRtcEbD4XUnC7CP4rj5iC9DwsSeniGjz9-0N6ZKPMkub3i0Z0dIcso/s400/pajaro.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378319042523086402" border="0" /></a></p><div style="text-align: justify; font-family: courier new;"> </div><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /><o:p></o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><span style=""> </span>Entre los preparativos de la exposición, Abdul Vas ha contestado a nuestro cuestionario. Aquí está el resultado.</p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /><o:p></o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="font-family: courier new; font-weight: bold; color: rgb(255, 0, 0); text-align: justify;" class="MsoNormal">CUESTIONARIO</p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /><o:p></o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><span style="font-weight: bold;">En tu obra trabajas con distintos tipos de medios (pintura, fotografía, fotomontaje, dibujo). ¿Se trata de un proceso de búsqueda de “tu medio” o es una vocación multidisciplinar? ¿Qué importancia le das al aspecto material de la obra?</span><br /><br />Respecto a lo material, mi elección depende de lo que esté buscando en ese momento. El único material base que siempre utilizo son los LP de AC/DC.</p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /> <a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikbwAap-8yD7jyw_zvnZtN3AoLOXPBa3sovzt19JntxU1bDaPesIOtSOnBG1CE9r7OU7us6qbnvKOaGXOIFguSl9SD8oYOpC2stfvC-klF7n1ovm7l6rz9iZpFB0U_vPZYFUbFrasCHKEZ/s1600-h/3822819801_5be5b8c522.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 286px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikbwAap-8yD7jyw_zvnZtN3AoLOXPBa3sovzt19JntxU1bDaPesIOtSOnBG1CE9r7OU7us6qbnvKOaGXOIFguSl9SD8oYOpC2stfvC-klF7n1ovm7l6rz9iZpFB0U_vPZYFUbFrasCHKEZ/s400/3822819801_5be5b8c522.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318772989083442" border="0" /></a><br /><br /><span style="font-weight: bold;">Me da la impresión de que, formalmente, has llevado a cabo un proceso de simplificación de las formas, desde las composiciones abigarradas de tu serie sobre los Cincinnati Reds hasta tus últimos retratos, mucho más esquemáticos y sencillos. ¿En qué punto te encuentras?</span><br /><br />Los Cincinnati Reds han sido una de mis grandes pasiones, igual que el baseball, ¡el deporte mas grande que hay en este fuck planeta.! Cuando ves mis pollos de la serie cincinnati reds se observa una visión muy barroca de cada uno ellos, hasta llevarlos al limite de la ornamentación. Con el paso del tiempo mis pollos se han simplificado en cuanto a indumentarias, pero el resto lo he concentrado en diversas facetas que de forma indirecta buscan una complejidad verbal. Por ejemplo: “te la voy a meter por el culo”, ¿es una frase muy ordinaria,? lo que quiero decir es: “nena ¿porque no leemos la Biblia o vamos al autocine o me preparas un kool-aid?”</p><p style="font-family: courier new; text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /><o:p></o:p></p><div style="font-family: courier new; text-align: justify;"> </div><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpgYHOK5ad4ctCgFFas1ArcPoavANg36Sb76kQNZ-0qu3DauJDXYDQvqWOrgbwyhR3VSHhgMYMWqwesKsMe_P_xBZKAwAnjI8YdnFcsXD9vDUlmDNipm_kbPL3FjSIV9sXxicIsZRCGwCA/s1600-h/3585315841_0f47be0d47.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 280px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpgYHOK5ad4ctCgFFas1ArcPoavANg36Sb76kQNZ-0qu3DauJDXYDQvqWOrgbwyhR3VSHhgMYMWqwesKsMe_P_xBZKAwAnjI8YdnFcsXD9vDUlmDNipm_kbPL3FjSIV9sXxicIsZRCGwCA/s400/3585315841_0f47be0d47.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318352718333714" border="0" /></a><br /><span style="font-weight: bold;">Es habitual encontrar referencias a la cultura pop en artistas de tu generación, pero tú vas más allá incorporando elementos que pertenecen a ámbitos más marginales y difíciles, como el porno hardcore, con las obras dedicadas a Sasha Grey. ¿Sólamente buscas aportar una mayor agresividad a tus obras, o hay algo más que subyace en esta temática?</span><br /><br />Mis obras están llenas de mucha dulzura y romanticismo, no veo violencia en ellas. Quizás mis pollos tenga pinta de ser violentos porque tienen ojeras o no llevan Balenciaga, Hermès, Comme des Garçons, etc.. aunque alguno de ellos lleva gafas de sol Tom Ford para proteger sus ojos. En cuanto a Sasha Grey , en ella veo a la chica mas dulce del mundo, es muy bonito lo que puede hacer con sus manos, boca, etc. Es una chica en mi opinión muy natural en cuanto a los placeres sexuales, no es una jodida estrecha llena de pelos... ¡Amazing Gape! ¡Vote Sascha Grey!</p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><br /></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_YUS5Z2CDQ3BT-DP7eSqsT73Xw2lPtBworapRvETvtLVGZ7IKCtp7KHfcINY5xO3LbOnXWD-uwiiDuQlFpuzc1-6tKoilpCzVXe7ql24_saO54Djg2zjVK3KJoXz6-5MCaM9m5A-xBeQf/s1600-h/3822820315_f083888ef7.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 274px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_YUS5Z2CDQ3BT-DP7eSqsT73Xw2lPtBworapRvETvtLVGZ7IKCtp7KHfcINY5xO3LbOnXWD-uwiiDuQlFpuzc1-6tKoilpCzVXe7ql24_saO54Djg2zjVK3KJoXz6-5MCaM9m5A-xBeQf/s400/3822820315_f083888ef7.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318774912123522" border="0" /></a></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><span style="font-weight: bold;"><br /></span></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><span style="font-weight: bold;">Resulta enormemente interesante tu abundante empleo de símbolos, ya sean las firmas de AC/DC o las cabezas de pájaro que ostentan muchos de tus personajes. Algunos de estos elementos confieren a las obras, además, un marcado sentido de la violencia visual ¿A qué responden?</span><br /><br />¿Tú ves violencia visual en mis obras? Yo no veo ningún tipo de violencia. En estos tiempos que generan violencia por un tubo, sería estúpido que un tío como yo gastara su tiempo en un tema que realmente no le llama la atención. Es cierto que veo obras de otros artistas llenas de cruces, y con frases un poco absurdas como “soy satan y te comeré el rabo esta noche”, o “viva hitler”, “yo soy muy cabron y por la noche me transformo en un mariposón satánico”... pero ese tipo de cosas no van con mi obra.</p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEif074wE1H19bxCBGOQNgSjc_vdKFKdbfC0ecwUstGKnBOPK9M9XsiifhTKNKTbEaeh8U59EqV1yE2WBDCrM-rqU9BISW95xknFkvKj331vZBme-RGn6Ia0IpayZfyb3XX6yYC1ynCubAQJ/s1600-h/3611206578_c4dd2d230b.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 400px; height: 294px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEif074wE1H19bxCBGOQNgSjc_vdKFKdbfC0ecwUstGKnBOPK9M9XsiifhTKNKTbEaeh8U59EqV1yE2WBDCrM-rqU9BISW95xknFkvKj331vZBme-RGn6Ia0IpayZfyb3XX6yYC1ynCubAQJ/s400/3611206578_c4dd2d230b.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318380122278690" border="0" /></a><br /><span style="font-weight: bold;">En ese sentido, resultan menos agresivas (aunque igualmente inquietantes) tus últimos retratos con cabezas de pájaro. ¿Se trata de un cambio de lenguaje o sólo de un ámbito más de experimentación?</span><br /></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal">En estos dos últimos años estuve centrado en una serie de imágenes que visitaban mi inconsciente muy a menudo. Eran imágenes gastadas por el tiempo, llenas de inocencia, algunas marcadas por el poder de AC/DC y poco mas..</p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><br /></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAuTlL6cRjzOpArcziXMjI_Z41e0RjRs6-LmSsnSUS4uoSDyM_CkCXNyUwxy4nzSL7Dl_2WzbeluZOFC4ZnprtNtpaEMLjeswk0fqTRPeA_ZnXzakxVZhqk6oo7btAUFtJWxcn9C-eWh0F/s1600-h/comic.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 348px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAuTlL6cRjzOpArcziXMjI_Z41e0RjRs6-LmSsnSUS4uoSDyM_CkCXNyUwxy4nzSL7Dl_2WzbeluZOFC4ZnprtNtpaEMLjeswk0fqTRPeA_ZnXzakxVZhqk6oo7btAUFtJWxcn9C-eWh0F/s400/comic.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318790171368530" border="0" /></a><br /><span style="font-weight: bold;">¿Cuáles son tus influencias? ¿Qué te interesa del arte contemporáneo?</span><br /><br />AC/DC, AC/DC, AC/DC. El resto de influencias son un ratoncito australiano llamado Patticcas, Marc Chagall... Me gusta mucho Raymond Pettibon. Antes me gustaba Sylvie Fleury porque estaba muy buena, pero, de hecho, ¿su obra?¿ qué hace ella? ¡No he visto nada! ¡Solo veía su ass en Art Basel!!! yeah!!<br /><br /><span style="font-weight: bold;">¿Cómo es tu relación con el público y el mercado del arte?</span><br /><br />Al mercado no voy casi nunca y el público no lo he leído.<br /><br /><span style="font-weight: bold;">¿Cómo has planteado tu exposición en La Fresh Gallery?</span><br /><br />Se llama Anything Goes y va sobre un tren que sale desde Cincinnati, OH a Dallas, TX. De momento, el tren no ha llegado a su destino.</p><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /></p><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgv7gMbWIbzZvtFHuXUYx6nER6lx-qItoPGHTylNKTuJ2iJxccc4r4io3EOIY6pFL5T5aUQzCKx66S2rfZ-YUuxAwoqEW_vynxnUp5L4gqWtKGsMF4HROLCObzNQ4vcjmRIWMTSFW4b8nhV/s1600-h/cartel.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 230px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgv7gMbWIbzZvtFHuXUYx6nER6lx-qItoPGHTylNKTuJ2iJxccc4r4io3EOIY6pFL5T5aUQzCKx66S2rfZ-YUuxAwoqEW_vynxnUp5L4gqWtKGsMF4HROLCObzNQ4vcjmRIWMTSFW4b8nhV/s400/cartel.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5378318779977052866" border="0" /></a></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"></p><blockquote><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><br /></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new; font-weight: bold; color: rgb(255, 0, 0);" class="MsoNormal">+info:</p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal">Abdul Vas "Anything goes"</p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><a href="http://www.lafreshgallery.com/">La Fresh Gallery</a></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal">Conde de Aranda, 5 (Madrid)</p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><br /></p><p style="text-align: justify; font-family: courier new;" class="MsoNormal"><a href="http://www.flickr.com/photos/abdulvas/">http://www.flickr.com/photos/abdulvas/</a></p></blockquote><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /></p><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"><br /><span style="font-family:courier new;"></span><o:p></o:p></p>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-81515520339299847672009-07-09T16:30:00.000-07:002009-07-09T16:51:45.523-07:00Bellezas heterodoxas: Luis Cuenca / Ricardo Cases<div align="center"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEJ1Avd7btiIs_aNCZm2gZ0UIKGOfTG8dtlkMDJLfcJQtSLE849FphenP1QoFWSuaRj6Ql6W6ghFifYCI8cbnUaq6Sn9WOv4HSpmySFaRvmu5kZOIfw9-BXehHnkBRjHyRgNsew4x5JdEL/s1600-h/0.84.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5356610594447214434" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 266px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEJ1Avd7btiIs_aNCZm2gZ0UIKGOfTG8dtlkMDJLfcJQtSLE849FphenP1QoFWSuaRj6Ql6W6ghFifYCI8cbnUaq6Sn9WOv4HSpmySFaRvmu5kZOIfw9-BXehHnkBRjHyRgNsew4x5JdEL/s400/0.84.jpg" border="0" /></a> <span style="font-size:85%;"><span style="font-family:courier new;">Ricardo Cases, <em>Belleza de barrio</em></span><br /></span><br /><span style="font-family:courier new;"></span><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">La programación reciente de la siempre estimulante <a href="http://www.lafreshgallery.com/">La Fresh Gallery </a>(Conde de Aranda 5, Madrid) ha estado protagonizada por dos muestras fotográficas que tienen en común la búsqueda de la belleza estética en motivos aparentemente vulgares, cotidianos o incluso trash.<br /><br />Todavía pueden verse en la galería las obras pertenecientes a <em><strong>La calle del Desengaño</strong></em>, de <strong><span style="color:#ff0000;">Luis Cuenca</span></strong>, que retratan a las transexuales que ejercen la prostitución en dicha calle madrileña, a dos pasos de la populosa y concurrida Gran Vía. Son éstos retratos que adoptan un aire lo-fi, analógico, casi descuidado, buscando una sensación de realidad (de realismo sucio, incluso) con un valor estético innegable. Las protagonistas de estas imágenes aparecen en distintas situaciones, siempre de noche, siempre quemadas por el flash del fotógrafo, cotidianas y misteriosas. Las poses en ocasiones son provocativas, deliberadamente sexuales o atrayentes, suscitando un destello lúdico y desinhibido que se agradece enormemente en una temática que normalmente se presta a un mayor dramatismo o trascendentalidad. </span></div><br /><br /><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5356610604685367682" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 393px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIfE53Y_7ZJ0E4BxsTQ6IxQDFBXgjSqtSalRzAS3TbpnCa92S8jd5DR8rhwG_zUVHwxFajPqs0Bq9lNe4UtyQmHht5D3OorqQCcgaolhQFS5TG7-YX1TlzreeItLmPRYktGxr0EFWtCr7l/s400/cuenca.jpg" border="0" /><span style="font-size:85%;"><span style="font-family:courier new;">Luis Cuenca, </span><em><span style="font-family:courier new;">Calle del Desengaño<br /></span></em></span><span style="font-family:courier new;"></span><br /><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><span style="font-family:courier new;"><strong>La reflexión que suscita Luis Cuenca se basa fundamentalmente en la idea de la construcción de la identidad</strong>: cada chica está caracterizada con su vestuario habitual, en su lugar de trabajo (coches, esquinas, aceras, descampados), con su nombre y con una frase dicha por ellas en el transcurso de su contacto con el artista. En este sentido, la búsqueda identitaria se aproxima mucho a la efectuada, por ejemplo, por </span><a href="http://www.germangomez.es/"><span style="font-family:courier new;">Germán Gómez </span></a><span style="font-family:courier new;">en su extraordinaria serie <em>Fichados / Tatuados</em> . Junto a estos elementos, el cuerpo se constituye como el más importante modo de identificación: en el transexual, el cuerpo es una construcción consciente, una persecución deliberada de una imagen determinada, de una fisonomía, de un atractivo sexual y de una elaboración casi cosmética. Por ello, los cuerpos de estas chicas actúan como la mejor definición posible de sus aspiraciones y de su autopercepción. Quizás habría sido conveniente incorporar las mencionadas frases en la obra de algún modo más integrado con las imágenes en sí, pero </span><strong><span style="font-family:courier new;">el resultado es magnífico, profundo y de una enorme calidad, sin dejar de lado la belleza plástica de unas fotografías que en su iconoclastia encuentran un raro tipo de equilibrio.</span><br /></strong><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5356610598127621346" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 266px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE3kZo8HlYDr8GsMkM9qTI9dLCvpEY7FoifOjDsTpTORkgcCYxng6P7zeZralTYiHIAf0jaEjBYbVqUuofTUQmPDnBbiHHco7ifQdGmo1KEcwISKAuoZpSAOkahjbohyzf-gRcNaakldfs/s400/0.84+(1).jpg" border="0" /></span></div><div align="center"><span style="font-family:courier new;"> <span style="font-size:85%;">Ricardo Cases, <em>Belleza de barrio</em></span></span></div><div align="center"><span style="font-family:Courier New;"></span> </div><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">La anterior muestra, de la que todavía hay algunas imágenes expuestas en la galería, es la serie <strong><em>Belleza de barrio</em></strong>, de <strong><span style="color:#ff0000;">Ricardo Cases</span></strong>. En este caso las fotografías presentan una concepción estética más armonizada y clásica. La composición es renacentista y por momentos recuerda a los maravillosos retratos del quattrocento. El colorido es delicado y exuberante, casi prerrafaelita. La calidad de la imagen es extraordinariamente nítida, y esta exquisitez compositiva adquiere una dimensión nueva con la elección de las personas retratadas. Como su nombre indica, <em>Belleza de barrio</em> está protagonizada por mujeres de la calle, de los barrios, de las periferias de las grandes ciudades. <strong>Poligoneras, maris y marujas adquieren de este modo una intensa reivindicación de su dignidad estética, una maravillosa plenitud y una expresividad conmovedora, en la línea de las bellezas monstruosas de Cindy Sherman, pero sin su componente trágico.</strong> Es una celebración de la belleza cotidiana, de los gestos y los rostros con los que convivimos a diario, de los estilos indumentarios que denostamos pero que son mucho más eficaces y difundidos que los que lucimos los furibundos urbanitas que acudimos a las galerías de arte. Esto, unido a la técnica que ya hemos comentado, da como resultado unas imágenes emocionantes y enormemente espectaculares. Todo un lujo por descubrir.</span><br /><br /><span style="font-family:Courier New;"></div><blockquote><p align="justify"><span style="color:#ff0000;"><span style="font-family:Courier New;">+ info:</span> </span><br /><span style="font-family:Courier New;"></span><br /><span style="font-family:Courier New;">LA FRESH GALLERY (Conde de Aranda 5,<br />Madrid)</span><br /><span style="font-family:Courier New;"><a href="http://www.lafreshgallery.com/">(web)</a></span><br /></p></blockquote></span>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-20775461353289738372009-03-14T04:29:00.000-07:002009-03-14T05:07:23.642-07:00PAULO EURICO VARIZ<div align="justify"> </div><div align="justify"><br /></div><div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUQu5p0-_y6E_bphJxjTPoWORgPIrOTCGaqC14thuUSSUeuR1RXmLeMXG3x3eoymSmmH4NSYLyucvBS3YO4seOjywueMrX4pRx6RjFXkvi7P8HlOb5_7L6bKyh2REkDuQjQrOEn3TGyCFv/s1600-h/tie_shirt.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313008990831537762" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 319px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUQu5p0-_y6E_bphJxjTPoWORgPIrOTCGaqC14thuUSSUeuR1RXmLeMXG3x3eoymSmmH4NSYLyucvBS3YO4seOjywueMrX4pRx6RjFXkvi7P8HlOb5_7L6bKyh2REkDuQjQrOEn3TGyCFv/s400/tie_shirt.jpg" border="0" /></a> <span style="font-family:courier new;"><br /><strong>Paulo Eurico Variz</strong> es uno de esos talentos versátiles y prolíficos que de vez en cuando surgen en la escena artística. Este joven artista portugués compagina su empleo diario como macroeconomista con una multitud de actividades creativas que él ejerce con frescura y sin prejuicios de ningún tipo. <strong>Diseña moda, pinta, hace collages y construye esculturas e instalaciones</strong>. Además, de vez en cuando trabaja como modelo. Lo más interesante de todo es el modo en que integra todas estas facetas bajo un fuerte contenido intelectual que sabe fagocitar y exteriorizar a través de su siempre sorprendente obra. </span></div><span style="font-family:courier new;"></span><span style="font-family:courier new;"><div align="justify"><br /></div><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313005428276092114" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 288px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_iMs3tIpNUmUwwsItjOCM81Ur7a-zO8DFv4z3GsiAdpBwbMn98R04Yy5wr9bDiIyp9LaJIocyqUi7ZQ9ZNQUkbJvqkmxo4IlQ9uZq1oO7eMKWB-413Hq4ILqYj-C_9KcAzaL1JauGlYwv/s400/cubist+collage.jpg" border="0" /><br />Podríamos decir que Variz es un artista conceptual, porque emplea distintos soportes para expresar un modo de <strong>pensamiento sólido y contundente</strong>. La primera vez que vi sus obras, quedé fascinado por su colección <strong>“Être libre”,</strong> que planteaba en términos fascinantes una relación entre la moda, el cuerpo y el desarrollo social: las prendas servían como índice de las potencialidades del cuerpo, como metáfora de la fuerza física y la capacidad de progreso. En consecuencia, el cuerpo y la forma de vestirlo se revelaban como un elemento de liberación y de igualdad: un humanismo radical y altamente efectivo en su contenido y en su formulación. </p><p align="justify"><br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313008993379382994" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 300px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7jduHXcfZdh556YJU8wOr8Lb_9PTWeaJue660Dff6eQ8N-2DQ6QRlBkCE7SNPeXpkaTTtLp_ILSORPCmsu4IXoMk1ElpPBaIBoe7ghx9iLHZM78M4YV5ooPWFwnWkwJhdEjG_BPhARF7L/s400/tie_torso.jpg" border="0" /><br /></p><p align="justify">La obra de Variz plantea una interesante reflexión <strong>sobre los cuerpos, los objetos y la relación de su representación con la realidad</strong>. De ahí proceden, por ejemplo, sus creaciones cubistas, cuyos principios él conoce a la perfección, y que dan lugar a instalaciones tan inteligentes como la expuesta en el Convento de Cristo en Tomar.<br /><br />La suya es una creatividad portentosa, una enorme capacidad de generar nuevas ideas y formas de expresión y, sobre todo, una auténtica pasión por ello. Por todo esto, Variz se revela como un talento muy a tener en cuenta, y no hay duda de que en el futuro nos sorprenderá con más obras rotundas, poderosas: obras ante las que uno sólo puede detenerse, mirar y dejar que las ideas surjan.<br /><br /></p><strong><span style="color:#ff0000;"></span></strong><p align="justify"><strong><span style="color:#ff0000;">CUESTIONARIO</span></strong><br /><br /><strong>“Être libre” proporciona una mirada distinta sobre la moda como factor de desarrollo personal en relación con la economía y la pobreza. ¿Podemos considerarlo como una obra de arte o como una colección de moda? ¿Dónde te sitúas, en el diseño o en el arte?<br /></strong><br /><br />Me gustaría pensar que “être libre” puede ser considerado como una colección de moda y, a la vez, como una obra de arte. Se trata de una colección de moda, porque está concebida como el desarrollo de una única idea que desemboca en un solo conjunto de piezas. Algunas de ellas son utilizables, y en todo caso el cuerpo ofrece el contexto en el que esas piezas cobran sentido. Al ser bastante experimental, y seguir una línea de búsqueda que he desarrollado en el diseño, la pintura y la escultura hace ya algunos años, creo que también puede ser considerado como un proyecto artístico. Se trata de una extensión natural de las cosas que ya he hecho. Obviamente, siempre es complicado para un creador calificar sus propias cosas como “arte”, parece pretencioso. Pero, por otro lado, debo confesar que la frontera entre arte y diseño es algo indefinida, y no creo que el diseño tenga que ser visto como el pariente pobre de las bellas artes. Siempre que veo alguna de las creaciones de Vivienne Westwood, un chaleco Margiela 0 10, o una chaqueta Viktor & Rolf con enormes letras de franela en 3D cosidas en la solapa, sé que estoy ante puro ingenio y bellas artes. ¡Clásicos instantáneos!<br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313007289832615538" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 286px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8mykqLsSM8_oHlg3gn8pjghDmjorPWvi_XAIW-RyKtLdqvku4KVzYoHg6xWLiHepE-WJhDu2ukVBYEc9jKgKNNoOQ9z-WbbkHahzvIXMocWreSosHJGiITzoiHJzEDwVCyKFEmXoae_Js/s400/etrelibre_waist.JPG" border="0" /><br />Debo confesar que no domino la mayor parte de las técnicas de la moda, apenas sé coser. La comprensión que tengo de la “ingeniería” de una camisa o de unos pantalones la obtengo de la deconstrucción y posterior reconstrucción. Aún así, existe una necesidad de probar y de crear. En última instancia, será el público quien decidirá si aprecia o no mi trabajo, y si aporto algo al arte o al diseño, a pesar de mis limitaciones técnicas. ¡Ya he vendido algunas de mis creaciones, en todo caso, y hasta el momento creo que ninguna de las prendas se ha deshecho!<br /><br /><strong></strong></p><p align="justify"><strong>Uno de los temas que aparecen con más frecuencia en tus obras es la economía, la pobreza y la desigualdad social. ¿Hay una intención social?<br /></strong><br />A veces, sí, pero no siempre. El proyecto “être libre” fue inspirado por la situación de los inmigrantes y refugiados en el país que patentó la marca “Libertad-Igualdad-Fraternidad”. Sus esperanzas, los nuevos colores y formas que traen a la lengua y la cultura francesa (las comunidades de inmigrantes liberan el lenguaje y la cultura, en la medida en que traen una mayor variedad e interpretaciones nuevas a los códigos sociales y culturales existentes), el hecho de que aquéllos que buscan el estatuto de asilo se encuentran supuestamente en una trayectoria en dirección a la libertad, las referencias a sus culturas originales en las que el hombre está en contacto más directo con la naturaleza y es libre... Como ves, hay aquí un tema social que proporciona la inspiración para un proyecto en el campo del arte/diseño. </p><p align="justify"><br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313005444193349362" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 258px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqtKfRSjJwuYdgJsRKwifoSvWsXr7maJWkHgNmjiKEFXPcQ72pYdZhJ5sK5aEtcKCcg0E0u8EgObnkrXFW5IdIdgQ1v-y2J383HCxYyKw6HII_uIUeFmoUsryZc8KtTMYMH5xZ3pmUhX30/s400/etrelibre_abs1.jpg" border="0" /><br />Más allá de las cuestiones sociales que puedan servir de inspiración al arte y la moda, hay que referirse también al papel social desempeñado por aquellas dos. Por ejemplo, la moda puede encontrarse subordinada a la distinción de clases, pero también puede constituir un vehículo para promover una mayor integración social. Hoy en día, llevar unos jeans rotos o la cabeza rapada diluye la frontera entre los jóvenes que proceden de familias de bajo y de alto poder adquisitivo, entre los jóvenes más y menos sanos. Creo que es muy bueno jugar con los códigos sociales. Es óptimo que una persona se pueda sentir cómoda en medios diferentes. También me gusta mucho ver en la calle a gente que, aunque pueda no tener grandes poses, demuestra que puede vestirse con un sentido del equilibrio y de la elegancia innovadora sin demasiado esfuerzo. A su vez, la estratificación de clases también asume una dimensión estética, aunque no sea su única expresión. Esto es muy evidente en los filmes de Eric Rohmer, por ejemplo. </p><p align="justify"><br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313007280364825026" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 310px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcyHvWoORmlt4dsEbX5syKURzR4YadNIOSpKg3cF0XhSBe4MG-xVOEWfqRjnUPBrxXaK31mqT6LjHhAghNer2zRQqzcTN1FUvZG8OVKZzaJ_xZ_8yBmuyeklaqZm16Nre4OJfPY3bux-09/s400/etrelibre_abs2.JPG" border="0" /><br />Por otro lado, no todo el arte tiene que estar relacionado con cuestiones sociales. Eso podría presionar excesivamente al artista. El proceso creativo puede ser esencialmente una lucha contra los materiales, un ejercicio intelectual de naturaleza particularmente abstracta, o una experiencia puramente hedonística, según creo. Estoy contento de haber pasado por todas esas experiencias.<br /><br /><strong></strong></p><p align="justify"><strong>En los textos con que acompañas tus obras, frecuentemente mencionas a escritores o filósofos (Valéry, Aristóteles) como parte de tus influencias y motivaciones. ¿Cuáles son tus fuentes intelectuales?<br /></strong><br />Eso depende de lo que esté leyendo en el momento, y depende también de las analogías que hago y las “visiones” que obtengo de mis lecturas y observaciones.<br /><br />Aprecio particularmente los escritos de filosofía o de ciencias sociales que presentan una clara orientación práctica. En este momento, estoy muy interesado en leer a Santo Tomás de Aquino y a Aristóteles, pero también a algunos pensadores de la Escuela de Salamanca y a algunos escritores del siglo XIX, muy orientados hacia la acción. Muchas veces me centro en ciertas citas, sacándolas fuera de contexto y expandiendo la idea que contienen, atribuyéndoles un significado totalmente nuevo y pensando en sus posibles ramificaciones.<br /><br />Muchas de mis fuentes intelectuales proceden de otros artistas. A veces, como muchos de ellos hablan poco sobre lo que hacen, tengo que recurrir a escritos sobre su obra (sobre Braque, Resnais, Henze, Nam June Paik, Knussen, Gertrude Stein...) Termino leyendo más ensayos sobre artistas y pensadores que textos originales de ellos. </p><p align="justify"><br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313007293236009682" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 300px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8lzV6c_iZYcSDJrSmZRfl9TaOckqMsMdvYR-boECu0RmZUW-VCb6R-FobT3IpaMX2k2ht-4v1R08R4nMOuxGYRDlM6NIPaufK4uRLmJu1T0D7CWFqcaNOWbqDCO2IRDzioUhqdfUkqcu3/s400/instalation+aristotle.jpg" border="0" /><br /></p><p align="justify">Mi instalación más reciente (expuesta en el convento de Cristo en Tomar, Portugal) se inspiró en la observación de Aristóteles acerca de que es imposible para una acción política tener en cuenta la distribución desigual de productos entre los hombres en la medida exacta de sus diferencias. Constaté que había ciertas similaridades con una extensión del problema cubista: en vez de captar todas las perspectivas de una naturaleza muerta sobre un solo plano, ¿cómo se proyecta sobre un solo plano la imagen de varios objetos colocados a distancias distintas del observador en rotación?<br /><br /></p><strong></strong><p align="justify"><strong>El cubismo aparece como una fuente de inspiración constante en tu producción.</strong><br /><br />Recuerdo tener álbumes de Picasso y de Gris desde pequeño. De este modo, no es posible seguir el progreso habitual en el desarrollo de la expresión artística de los niños, porque el niño asume que lo normal es dibujar así. Incluso puede convertirse en su arquetipo. A los dieciocho años estaba buscando mi propio estilo, y descubrí que podía serme útil la búsqueda de los cubistas –cómo representar varias perspectivas simultáneamente en un lienzo bidimensional. Hoy, todavía integro reflexiones sobre color, luz y movimiento en esa línea de investigación<br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313005440996031986" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 305px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZZUHWnhcmkgopb8ZQacitQGV0sg21dmSIklBJmaj-V251m2BxBGKKo2ow_4-xaa112yoQacTF25Vc5q_pJ32grUqn0LRvW7WKqdsyfOVO85xpZAQUTNxyv5HjhkJaF772T30bF4tjU76L/s400/cubist+painting.JPG" border="0" /><br /><br /><strong>Uno de los aspectos que más me llamó la atención la primera vez que vi tus obras fue la importancia que le concedes al cuerpo humano (incluso al tuyo, a veces), y la presencia de lo anatómico en tus prendas e imágenes. ¿Hay una poética del cuerpo humano en tus obras? ¿Es el cuerpo humano y sus atributos (la resistencia, la fuerza, el poder) un símbolo para ti? ¿Tiene algo que ver con tus actividades como modelo? ¿de qué modo ejercer como modelo ha influido en tu perspectiva artística?<br /></strong><br />El cuerpo está frecuentemente presente en mis trabajos, y cumple funciones muy diferentes en la pintura y el dibujo, por un lado, y en el diseño de moda, por otro lado.<br /><br />Probablemente, el tema más frecuente de mis dibujos y construcciones es el desnudo femenino, o el entrelazar el cuerpo del hombre y de la mujer. Incluso las naturalezas muertas contienen referencias a la sensualidad femenina. Por ejemplo, ya Braque y Gris utilizaban la representación estilizada de guitarras o de violines para sugerir el cuerpo femenino. Cuando estoy haciendo naturalezas muertas en tres dimensiones, incluyendo instrumentos musicales, el desdoble del alumninio o el abrir los objetos para exponer su interior ofrece una experiencia sensorial (puedes planear la obra, pero nunca sabes con certeza cuál es la apariencia final y cómo van a reaccionar los materiales), pero también sensual. El erotismo apenas está sugerido. Ocurre lo mismo cuando modelo en barro o en yeso. Por eso, en los museos, prefiero siempre los estudios en yeso a las obras finales en metal: casi podemos experimentar el placer que el artista sintió al modelar esas formas.<br /><br />Respecto a la moda, me he centrado principalmente en la moda masculina. La perspectiva es, por tanto, completamente diferente. Creo que todas mis prendas son muy “body conscious”. El vestuario es parte de una estrategia de seducción. Y, en ese campo, el cuerpo es un instrumento poderoso. Mientras el cuerpo femenino se revela a través de ropas que revelan o sugieren formas curvilíneas, las prendas masculinas que diseño revelan o sugieren fuerza y poder corporal. De ahí las referencias estilizadas a los deltoides, los abdominales, los cuádriceps... Ya me han dicho que mi trabajo tiene sentido del humor. Es posible. Creo que las personas han visto ese humor en las piezas donde el vestuario (principalmente el vestuario formal) apenas es sugerido: un fragmento de chaleco o una solapa, por ejemplo. En un caso o en otro, el objetivo es el de distinguirse de la multitud, si es posible combinando originalidad y elegancia (que puede ser ultra formal o ultra informal), y siempre con flare y allure masculino. Tiene que ver con crear el máximo impacto visual. También tiene que ver con la imagen que se quiere tener. </p><p align="justify"><br /><br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313007292834578866" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 262px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbdqB9miUx5rOFd9-fzLZ7B0R-IHQyvFieCEogRxdHJZZ4k-dvDgyJAhZOSMfuvTjVf8fdv2jrxHzm4nrE09cHuNDwBBelB-bvjsPKloqLTI4gxb0oHVEZRBrToXBnkSO8npc36RKkAj-j/s400/etrelibre_waistcoat_pendant.JPG" border="0" /><br /></p><p align="justify">La poesía en mi trabajo tiene que ver con la celebración del hombre moderno: libre, igual, en pleno control de su destino –muy en la línea del espíritu que emergió en el renacimiento y a finales del siglo XVIII. Pero la poesía e, incluso, el romanticismo, están asociados a la imagen exagerada del héroe poderoso que salvará a la chica y acabará con ella.<br /><br />Trabajar como modelo me ayudó a desarrollar la mencionada conciencia del cuerpo y a estar más atento a los detalles de las creaciones (refuerzos, siluetas), y es también una forma de participar en el proceso de creación y de exposición del arte. Particularmente, me gusta mostrar creaciones de nuevos estilistas, porque están en el inicio de su carrera y tienen ideas frescas, todavía bastante libres de restricciones impuestas por el mercado. Desfilar puede ser divertido, pero también es un ejercicio de humildad. El modelo no debe acaparar la atención: el protagonismo ha de ser para la obra de arte que se expone, y en muchos casos el mejor modelo es aquél que se vuelve transparente y permite que la obra de arte cobre vida. El cuerpo y la obra se convierten en una sola cosa. Me gusta la idea de que el cuerpo sea un soporte para mostrar una obra de arte, como una pared donde se cuelga un cuadro. También, por esto, algunas camisas que diseño tienen velcro o ganchos para colgar objetos. En términos generales, aprecio la posibilidad de que el cuerpo sea parte integral del proceso de creación de obras de arte y de “happenings”, como las personas que posan para retratistas, o las que participan en el teatro o en el arte digital. Me gustaría participar en proyectos de arte digital.</p><p align="justify"><br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313009003158362210" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 300px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGbSmYefTl_X3ZLL9Ff75vX3U2rDKOgwGvaTzhcYRPJtEcLnqmrOtPLI16h2dmGft79n1j72POjPv6oxcDQfEeIadPcO2xi6-Yol8lFiRJLj-zZ_YsClKk57VXmQaJR98XA_tr5LCjrYCH/s400/model1.jpg" border="0" /><br /><br /><strong>Diseñas, pintas, desfilas y llevas a cabo labores de investigación y docencia en el campo de la economía. ¿Hay algún vínculo entre estos campos?<br /></strong><br />Existen relaciones tanto en términos de sustancia como en términos de proceso.<br /><br />Respecto a la sustancia, creo que mi trabajo tiene con frecuencia referencias geométricas. En una época me dediqué a estudiar las aplicaciones de la geometría fractal a la economía al mismo tiempo que seguía leyendo cosas sobre cubismo. Pongamos las cosas en los siguientes términos: una pintura sobre tela es bidimensional. Una escultura es tridimensional. Y cuando se añade relieve a una tela, o cuando se intenta reflejar dimensiones múltiples y simultáneas o cuando, incluso, tenemos una construcción en origami desdoblada, ¿qué dimensión obtenemos? Probablemente algo entre dos y tres. Tenemos por tanto una dimensión fraccionaria, fractal. Dimensiones fractales, topografía, topología, planos superpuestos... todo esto forma parte de las ciencias matematizadas y al mismo tiempo de algunas formas de arte. </p><p align="justify"><br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313005444055502658" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 299px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilQlTGLI7pYIJw1dNTaT6DblW0J3Gt2Bse5pyWLKt23ocqcftMuXHcgt7smtxqcEWX4YTtzdAdCBrTO8d4ty7IbrX46l5JccLCwlDqP9B4BLU3d2tol23vDaKPO2ax3dkEAcymC4_0jU9c/s400/cubist+portrait.JPG" border="0" /><br />En lo que respecta al proceso, como profesor siempre me surgió la necesidad de descodificar y de ser pedagógico. Por eso suelo escribir sobre mis proyectos y preparar los textos que acompañan mis exposiciones. Soy consciente de que las palabras no pueden (y no deben) agotar todo lo que encierra la obra de arte, y ninguna forma de comunicación es reductible a otra. Quizás porque existe siempre un importante componente de búsqueda en mi trabajo, siento necesidad de dar al público algunas pistas sobre mi proyecto de investigación: me refiero, principalmente, a mis reflexiones sobre el cubismo. Además, la mayor parte de las veces el público sólo puede ver el resultado final del proceso de creación, la obra de arte terminada, y eso es una pena. Los artistas saben que hay que pasar por fases difíciles y eufóricas cuando se está haciendo una obra. El año pasado presenté en Eslovenia un seminario en la galería Alkatraz llamado “100 años de cubismo”, durante el que hablé sobre el proceso de preparación de trabajos cubistas y sobre la lógica implícita en esas obras, al mismo tiempo que demostraba con cartón, cuerda y hojas de metal cómo ellos llegaban a la obra final. Todo tenía que ver con exponer el proceso. Fue una experiencia fantástica, principalmente por el entusiasmo del público y las cuestiones que suscitó. Recuerdo que era media noche y todavía seguíamos hablando de relaciones con arquitectura, literatura... incluso caligrafía. </p><p align="justify"><br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313005443882242562" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 266px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJznc9Od01pEwfaJ6irEo-aK3vsCr8lLry_D12qZ6JvPJjMbTqk5LPZJ81skM7J8UaFAK23PCt4BewXAK5a8tV9iAeRev88vRsj8bGGBtpaTB3Ejr0Urec7wv5XVHsWgocAhtIFTKhakUe/s400/cubist+wall+sculptures.JPG" border="0" /><br />Dicho esto, tendemos a desempeñar papeles diferentes en la vida, pero por deparado. Todos nosotros tenemos diferentes relaciones con terceras personas –somos el artista/diseñador, el profesor, el economista, el investigador, el modelo, el amigo, el amante, el voluntario, el compañero de trabajo- todos forman parte de nosotros. Incluso cuando desempeñamos esos papeles por separado, un papel siempre influye en el otro.<br /><br /><strong></strong></p><p align="justify"><strong>¿Cuáles son tus próximos proyectos?<br /></strong><br />Estoy preparando un proyecto en el campo de la moda con Carles López. Él es un diseñador de punto español, y es profesor en el Instituto Europeo di Design. Vivimos en países diferentes, hablamos distintas lenguas y ni siquiera nos conocemos personalmente. Estamos explorando las posibilidades de comunicación a través de los mails y de internet como base para elaborar una colección para hombre. Está relacionado con dos historias de la mitología griega que tienen que ver con la línea –la historia de Penélope y Ulises, y la de Ariadna y Teseo en el Laberinto del Minotauro (de la Suite Vollard) son una fuente de inspiración, como la ópera de Birtwistle. Carles es un diseñador muy profesional y con un sentido de la textura muy apurado, y seguramente voy a aprender mucho trabajando con él.<br /><br />También estoy preparando una pequeña colección como consecuencia de una reciente visita al Musée d’Orsay. Igual que en una serie de dibujos que hice hace ya algunos años, y donde me inspiré en violentas escenas de Delacroix o Rodin para recontextualizarlas en escenas de amor, he comenzado a dibujar algunas piezas inspiradas ahora en las figuras en yeso de Antoine-Louis Barye, llamadas “Fuerza”, “Justicia”, “Paz”, “Guerra”, etc. Son dimensiones conflictivas que cada hombre lleva dentro de sí mismo. Preveo un “look” final que difiera mucho de mis trabajos anteriores. </p><p align="justify"><br /></p><p align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313009001522053074" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 300px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk94Ilfk-nSeqKQ86U_rQaeiXDn5EmTjEBnerlX8KxqqLXixO9B8bHANfBscRPlvY66y5j7QGDXMEYtyEYVRL2Croe8HaBcqrzK3ZEMWZePj5OgqLbFJUUM1l4uqL8-2CVVQZwp3Bs3aYC/s400/model2.JPG" border="0" /><br />Por último, estoy preparando mi participación en la Bienal de Porto Santo, con una escultura en aluminio. Espero todavía proponer un ciclo de cuatro presentaciones sobre cine, cubismo, moda y música, que van a llamarse “Estética visual en Erich Rohmer”, “Una introducción a la poesía cubista”, “Diseño de moda en el Benelux” y “Serialismo integral y música escolástica”.<br /><br /><strong></strong></p><p align="justify"><strong>¿Cómo es tu relación con el sistema artístico y el público?</strong><br /><br /><br />No me puedo quejar de mi relación con las galerías e instituciones, aunque suela haber dos tensiones latentes, una relacionada con los materiales y otra con la funcionalidad del arte.<br /><br />La primera vez que entré en una galería de arte y pregunté si querían exponer mi trabajo, me aconsejaron desarrollar las mismas ideas, pero utilizando materiales más nobles. Muchas de mis construcciones y collages inspirados en el cubismo están hechos en papel. Es difícil aceptar que el papel o el cartón sean vistos como materiales de escultura menos nobles que la piedra o el metal. El papel puede durar mucho tiempo si se lo conserva adecuadamente. Tengo un enorme respeto por este material y me gusta mucho trabajar con él. </p><p align="justify"><br /></p><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5313007281531349474" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 272px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgtzxo3_Mx8LBtUPK5piXq5NDWa1oK95CGqc0j2OZxb8Pr6MlESb4q70NRfY8-kphb1VfFDvtpAiXcQkWcqekG4jiBXqQ9rhyphenhyphen9D_fA4i5_XR2k_S6Li7O0C5u8tSwg1FjPKdCL4Pe7UCfV/s400/etrelibre_pectorals.JPG" border="0" /> <p align="justify"><br />La moda no suele tener mucha presencia en los espacios de arte, y raramente está considerada como una de las bellas artes. Tenemos prejuicios hacia cosas que ejercen una función cotidiana, es como si fuesen artes menores. El arte es expresión codificada, pero también es funcionalidad. Ser funcional o utilitario no tiene forzosamente que implicar una concesión al decorativismo. A fin de cuentas, la mayoría de las obras son adquiridas, coleccionadas y expuestas en las paredes o en el suelo de los compradores. Como desempeñan una función estética, despiertan un placer estético, incluso aunque sea una referencia a la fealdad física o moral. Me gusta recordar esto a la gente, y exhibir objetos de diseño en galerías, del mismo modo que me gusta mostrar pinturas o dibujos en los sitios más inesperados. ¿Por qué no deberíamos permitir que el arte se exponga en los sitios donde no esperamos encontrarlo? Si somos snobs en lo que respecta al arte, existe el peligro de ignorar dónde va a tener lugar la creación.<br /><br />Con el público, siempre me interesa recibir su feedback. Algunos artistas se enorgullecen de crear sin tener en cuenta a sus espectadores, pero yo creo que la obra de arte asume una forma que va más allá de su materialidad y de los significados que el artista le atribuye. Un artista debe admitir que una obra de arte también es un concepto, y las interpretaciones del público forman parte de ese todo, incluso aunque el artista no esté de acuerdo o las encuentre molestas. También por esto la obra de arte tiene una existencia que es exterior y que trasciende a su creador.<br /><br /><strong></p><blockquote><strong>+info:<br /></strong><a style="COLOR: rgb(42,93,176)" href="http://www.iqons.com/Erikk" target="_blank"><strong>http://www.iqons.com/Erikk</strong></a><br /><a style="COLOR: rgb(42,93,176)" href="http://www.geocities.com/too.erik4u/" target="_blank"><strong>http://www.geocities.com/too.erik4u/</strong></a><br /><a style="COLOR: rgb(42,93,176)" href="http://www.thestylemansion.com/pages/Designer_Ties/2848" target="_blank"><strong>http://www.thestylemansion.com/pages/Designer_Ties/2848</strong></a><br /></blockquote></strong></span>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-1832955693552579412009-02-19T09:16:00.000-08:002009-02-19T10:42:30.253-08:00MANOLO VALDÉS (Galería Marlborough, Madrid)<div align="justify"><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5304577585246684866" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 329px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjM_I-3TKnEp4oaCnxzcdt6sMH2q_EIaO3Wr3Hrt_vAEsIdJq23m7z_LH0T0LVm-KrDQBtw9pQYXzqSSi7S3u4OL85CEdH51EE4rZU88v_JEJot6vmmo3WDZjVGOI8Up16E-emlYb0QJVh5/s400/caballo.jpg" border="0" /><br /><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><strong>Sorprende y emociona la exposición de Manolo Valdés en la galería Marlborough (Madrid).</strong> Sorprende porque, aunque sus presupuestos estéticos quedaron ya asentados en las pasadas décadas, Valdés es uno de esos artistas incansables cuya obra avanza en forma de pequeñas pero firmes revoluciones. Al entrar en la galería, frente al mostrador del hall, ya impone su presencia una de sus enormes esculturas ecuestres. Son varias las obras que en esta muestra reproducen este motivo habitual en la obra del valenciano, tanto en el ámbito escultórico como en tres gigantescos lienzos en los que la misma figura (una dama a caballo) es reproducida con diferentes cromatismos (blanco, azul y marrón) a través del óleo y la arpillera. </span></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5304571543582137090" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 316px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh44E0IkdKuoLg4qr2CEyDaJvklvWgrbSl8e8cK6JlgHTXaKIseerpnbUxvnZY8Jqa83mXhkidX5W3rSIGkJdRPWPScTTNQK5LL__ZrdVVCJfh912Gz21v8K21pFlrHlacKcIfcalSwdC62/s400/Valdes,+M%C3%A1scara+azul,+2008,+madera+policromada,+190+x+161+x+112+cm.jpg" border="0" /> <p align="justify"><br />El que fuera en tiempos uno de los integrantes del Equipo Crónica sufrió en los años ochenta una de las evoluciones más coherentes y significativas del arte español contemporáneo: <strong>la integración en una misma obra de elementos propios del figurativismo pop</strong> (fundamentalmente, la incorporación y reinvención de iconos del arte clásico, como lo es en este caso el retrato velazqueño de Isabel de Francia a caballo, que inspira las ya citadas esculturas y pinturas ecuestres) <strong>y, junto a estos motivos iconográficos, la adopción de una técnica cercana al informalismo matérico de Millares o Tápies.</strong> El resultado son sus brutales meninas de acero o sus múltiples obras inspiradas en retratos cortesanos del barroco. Valdés lleva a cabo sobre las líneas y las formas un proceso de depuración y deformación que roza lo abstracto sin llegar a la pérdida de la morfología que las hace reconocibles, <strong>remitiendo a la escultura africana o al arte figurativo chino o japonés</strong>. Es este tratamiento de las formas lo que nos hace saber que nos encontramos ante un caballo, una mujer o una máscara.<br /><br />Unido a este aspecto está, como acabamos de decir, su técnica. En los lienzos que hemos mencionado, la aspereza de la arpillera se ve invadida por masas de pintura en las que el óleo ha sido manipulado de un modo que casi recuerda a la cerámica. <strong>La brutalidad de lo material</strong>, de la obra de arte en la que la forma no oculta la materia –imperfecta, irregular, orgánica- de que está hecha constituye uno de los mayores impactos visuales de la obra de Valdés. </span></p><span style="font-family:courier new;"><p><br /><br /><br /></p><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5304571014299707762" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 342px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBQgXMEYkdzSsEbqKm9g2f_Lvhh63lRBwAS4IomrebwXpn0psTyUkMz8bDL8c7qRh9aOhGCiJNuLgpbPr157SkSlPhzBGBk8pNMKAHIVQm3_xmEDb_90nY6aDkjeHUd2HMdAMrt-uorL1x/s400/Valdes,+Dama+a+caballo,+2008,+madera+policromada,+249+x+253+x+87+cm.jpg" border="0" /> <p align="justify"><br />El artista consigue este efecto, en primer lugar, a través de los materiales que hemos citado: la arpillera, el lienzo sucio, el óleo distribuido irregularmente o la madera policromada trasladan a la obra un aire de ensayo, de lucha cuerpo a cuerpo con la obra, de taller, de almacén y de artesanía. La superficie de su Dama a caballo de madera policromada en color blanco está raspada, rota, herida, y la fina capa de pintura blanca ofrece un aire provisional que sugiere la materia cortante y tosca que apenas cubre. Además, determinados toques cromáticos en rojo desgarran los últimos rastros asépticos y acentúan aún más lo orgánico de la obra; esta orgullosa dama a caballo parece una marioneta rota, pero todavía viva, todavía nerviosa y sensible.<br /><br />Sin embargo, uno de los empleos más fascinantes del material consiste en su manejo del bronce. El bronce, al contrario de la madera o la arpillera, sí es una sustancia noble, el punto de partida de muchas obras maestras de siglos pasados. El enorme talento de Valdés produce un efecto desconcertante: en un inesperado juego retórico, <strong>el bronce pierde su carácter solemne para ser tratado de manera que imite al cartón de mala calidad, a los cables, a la maquinaria mecánica</strong>. De este modo están construidas sus famosas meninas y algunas de las obras de esta exposición. Este rebajamiento, esta inversión de atributos es uno de los rasgos que hacen a Valdés un artista tan reconocible: la superposición de piezas, la impresión de que sus figuras han sido compuestas a partir de trozos de materiales viejos, inútiles, definitivamente descartados. </span></p><span style="font-family:courier new;"><p><br /></p><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5304574671935941618" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 310px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8y-9YS7bAoYBd-__1-8j7hQkqcQ1wNxp7n9ZIVoB-Gmvvgdxm42vr1tJ2fZQ70Xy_WYDaOiQ5i-Gv-6oBs9NX49grNzH4xCsICiEA7eLfywnqrbjyyM5QTfYIbBxxo4Nuicvod6MBz7Ve/s400/Valdes,+Mascara+V,+2007,+bronce,+198,1+x+162,6+x+111,8+cm.jpg" border="0" /> <p align="justify"><br />Donde se hace más patente esta técnica es en sus asombrosas máscaras. Hay varias en esta exposición, pero considero que las más sobresalientes son dos grandes esculturas en bronce, además de una figura de madera policromada en azul también de grandes proporciones. En estas obras se acentúa el efecto que mencionaba en el párrafo anterior: la composición de las obras en bronce responde a un intenso trabajo sobre la materia en el que el metal parece adquirir la inestabilidad del papel de periódico: retales, recortes y trozos dispersos apenas hilvanados conforman unos conjuntos, sin embargo, de una cohesión sorprendente. Son obras contundentes, con una enorme fuerza, y con una ejecución material de enorme creatividad; <strong>vale la pena aprovechar el modo en que están expuestas para rodearlas y ver sus entresijos, sus estructuras interiores que parecen reproducir una figura de cartón que requiere infinitos puntos de sujeción para no desarmarse en cualquier momento</strong>.<br /><br />Escribía al principio de esta crónica que Valdés sorprende y emociona. En las líneas anteriores hemos repasado los factores de esa sorpresa; sólo nos resta indicar <strong>dónde reside la emoción</strong> (personalmente intensa, todo un gancho directo al mentón) de estas obras. Las máscaras reproducen un motivo repetido hasta la saciedad en la historia del arte; el verdadero rostro es cubierto por una máscara que, frecuentemente, termina siendo más real que el propio rostro. Las máscaras de Valdés son reconstrucciones arduas de la morfología del rostro, cirugías imposibles para devolver al individuo su configuración humana, emotiva, conmovedora. Ante estas imponentes esculturas, no podemos sino mirarnos detenidamente en el espejo que son en realidad. <strong>El bronce herido, seccionado, amputado, atravesado por cables, cosido con alambres, rasgado y cicatrizado deja de ser una máscara y se convierte, de este modo, en un reflejo del rostro. Y el rostro, ya se sabe, es el espejo del alma.</strong></span><br /><br /><br /></p><p><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5304573985250688786" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 308px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV4NLht-3zTDWSCLgaO9nibuACssznJCiAzv4IGAy0UH_c2ZXWR3hKkIxGq1h1RvCplCXq71b4-pSj7sue0zYr4kV6YTxbCrWTk93BJUWMKBVcCGg229GjrbPanrDkP-UJGf7UUun1wGt6/s400/Valdes,+Mascara+I,+2007,+bronce+y+hierro,+200,7+x+127+x+96,5+cm.jpg" border="0" /><br /><br /><span style="font-family:Courier New;">La exposición estará en Marlborough (Orfila, 5, Madrid) hasta el 21 de marzo de 2009.</span><br /></p><div align="justify"><span style="font-family:Courier New;">+info: <a href="http://www.galeriamarlborough.com/">http://www.galeriamarlborough.com/</a></span></div><div align="justify"><span style="font-family:Courier New;"></span> </div><div align="justify"><span style="font-family:Courier New;"></span> </div><div align="justify"> </div>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-48746166267169098172008-12-02T14:10:00.000-08:002008-12-02T14:45:04.722-08:00JUAN GALLEGO<div align="justify"><br /><br /></div><div align="justify"><div><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ07W43mijkbtd0X5UbGfTU0fDDjWXriQy3fo9NP8SsAOkdtQP_-38Uq00nQMFtoVyd4bshSGk_-gC9VUrdfxBTUV03_MrOrf-lFrfvoHiOqYT8oHtjCnqXVSVnUo60KibntuEZNlDe-t5/s1600-h/Generaci%25C3%25B3n.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275319330454715906" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 280px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ07W43mijkbtd0X5UbGfTU0fDDjWXriQy3fo9NP8SsAOkdtQP_-38Uq00nQMFtoVyd4bshSGk_-gC9VUrdfxBTUV03_MrOrf-lFrfvoHiOqYT8oHtjCnqXVSVnUo60KibntuEZNlDe-t5/s400/Generaci%25C3%25B3n.jpg" border="0" /></a><br /><div><div><div><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><strong>Entrar al estudio de un pintor tiene algo de intemporal. Los muebles, la decoración, la forma de la habitación pueden cambiar; sin embargo, el pincel, el lienzo y el óleo siempre permanecen, y su presencia es el indicio de que entre esas cuatro paredes se lleva a cabo una actividad, casi un culto ritual que en más de cinco siglos apenas ha cambiado y que mantiene intacto su credo principal: plasmar, sobre una superficie vacía, una visión del mundo.</strong><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275319335358243090" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 264px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEND2ci9jNBMGUoACMGl-mYenKqvpM2dsH-j4YcILETrkS_p6vOVEQefPo_7IKkp0ZUGcd-CaSqgOWBpNxEpMmJ5jYxboOluBHG9vkC4Kf_YJfQ89li_XRGhgmBglKCrTqtpQe4jtPprCC/s400/momento-I.jpg" border="0" /><br /><strong>Juan Gallego (Madrid, 1972)</strong> ha pasado muchas horas dentro de su estudio, que ahora recorre con la mirada mientras me enseña unos cuadros que, contra la pared, esperan ser llevados a la galería <strong><a href="http://www.galeriafernandopradilla.com/">Fernando Pradilla</a></strong>, que los vende desde 2003. “Tiene que haber un mercado”, comenta. “El mundo se mueve por el comercio. Si las cosas se hacen y nadie las quiere para nada, puedes hacer cuatro, cinco o diez cuadros pero, llegado un momento, tu almacén llegará a su propio límite y no podrás seguir pintando. El vender tiene un aspecto negativo cuando, para agradar al mercado, tienes que hacer cosas que odias. Ése es el problema. Pero si haces lo que quieres y, además, existe un mercado para eso, ¿cuál es el problema?”. Y, en efecto, la pintura de Juan Gallego tiene un mercado. Sus cuadros se venden, va camino de su segunda exposición individual y ya ha pasado por ferias como ARCO. Es profesor de Bellas Artes. Y, para colmo, pinta lo que quiere. </span></div><span style="font-family:courier new;"><div><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275319328339563698" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 244px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAyur1spczsKhQAT-2OEbiyv3fBjwXOA9rr8jhDpBKzb5lp6OvT21I4uTHr8tTa5v4aPCmmQgLznrhzD0kk42RwB_YAgtembjG4JSe_BPObqRYDfrbcyzss1Aj5pOgbWrRZRAnJlpvwTXU/s400/Gemelos-web.jpg" border="0" /> <img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275320312319670530" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 297px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgI5KtZYFoSgWcb4LCbMU3K5jktpZmIEK-pOpWwkeLCLmM03Rmr8aEkQQ4G-PxVAl-pAeKAwo1h6TWmen096rCmI7-1DJvxnF1yMyFc-Gr4Hiwy6YDNUxxWO7Oyc8_aMn7MJzcAl0YZzUgW/s400/papeles_18.jpg" border="0" /><br />La primera reacción ante uno de sus cuadros, sobre todo si se miran desde lejos, es la de creer que nos encontramos ante una fotografía ampliada. <strong>Es acercándose al lienzo cuando uno aprecia las pinceladas, los colores y los detalles que nos indican que lo que tenemos ante nosotros es un cuadro que, además, sorprende y fascina.</strong> Al principio de su carrera, al terminar Bellas Artes, Juan pintaba detalles copiados de fotografías de insectos. Las fotos procedían de revistas científicas o de un centro de microscopía al que tenía acceso. Luego trasladaba esas imágenes a enormes lienzos. Las formas violentas y ásperas de los motivos originales cobraban, al aumentar el tamaño y elegir determinados encuadres, una curiosa plasticidad, un cierto grado de abstracción y, sobre todo, una innegable belleza. Y esto, aunque parezca obvio, era ya toda una declaración de intenciones. </span></div><span style="font-family:courier new;"><div><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275319321839631586" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMs6EoIZSCPR86MLl0om5lsdzQQY9eYwwd28uFQTouURe6FoJ3FA3njG1j9PHYkG7P7A1W23hSp2hlCO_RJ0oVFisNn1dU1ExCDltFBdZhQ0PYT95pg99B5mtn2VjXK9ijYVOB8uuiyny0/s400/Distorsi%25C3%25B3n-del-medio-2005-1.jpg" border="0" /><br />Después de los insectos, llegaron los tiovivos. Estos emblemas de la diversión y la infancia, despojados de presencia humana, cobraban un aire melancólico e inquietante. Nuevamente a partir de fotografías, Juan pintaba distintos detalles de los carruseles, hasta que se empezó a fijar en los fondos de las imágenes, que mostraban, debido a la óptica fotográfica, formas difusas, inconcretas, fantasmales. El siguiente paso fue aislar esas formas y convertirlas en protagonistas de nuevas obras. Gracias al desenfoque, el resultado se acercaba enormemente a la abstracción, pero sin perder la corporeidad que le otorgaba un referente real: <strong>“Desde entonces siempre he seguido ese juego: el enfoque y el desenfoque, que la forma sea hasta cierto punto reconocible, un término a medio camino entre la abstracción y lo figurativo”,</strong> me dice Juan, y es en este estilo en el que parece haber encontrado su propio forma de pintar, que se va adaptando a los distintos temas. Ahora, por ejemplo, las flores. </span></div><span style="font-family:courier new;"><div><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275319321427819042" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQoPEzQftR1H5Q3YkOCiJCQ_5kYNdqzgVQRZ0-SwOIDm_D6HlxYzuhSlixNYDZRxVDa9HwKnBBD8RYu_CuAVpjUhpwuxTAh6SM5ZC2_wsbQGX8WLnI_TT3MHGIsnOIGkIb9oL81K5ZCtT_/s400/A-100x100cms.jpg" border="0" /> <img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275320321971308946" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 300px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEif27IufIwVSPK5CDDt-iSH3SmLjnr1xSRNJ-ok0H6YnCs3SLl6qHd5JBJv5Jlco_qkJjZAsgdxptldLPuVa_azmPU8BdSMwjqHGoQjiqHUQU-gTrNkqJLs1zqVg9EIxy8SAe3KMpxwp1qj/s400/papeles_35.jpg" border="0" /><br />Produce extrañeza un pintor contemporáneo cuyo motivo sean las flores. Tema clásico desde la antigüedad, podría decirse que las posibilidades pictóricas de los motivos vegetales están más que agotadas. Sin embargo, el arte de Juan Gallego da una vuelta de tuerca más, y propone una visión totalmente original. <strong>Nuevamente a partir de modelos fotográficos, lo interesante es comprobar cómo logra unas imágenes espectaculares y llamativas que, en el fondo, reproducen flores convencionales que apenas nos llaman la atención cuando las vemos cada día.</strong> Esta temática, adoptada en su día por artistas como <a href="http://www.okeeffemuseum.org/home.aspx">Georgia O’Keeffe</a>, que también ampliaba las formas hasta volverlas irreconocibles, sufre en la obra de Juan Gallego un proceso enormemente personal. La técnica ha evolucionado hasta constituir un primer plano enfocado y una transición hacia un fondo borroso, que establece una tridimensionalidad en la que los perfiles cortantes de las espinas o las hojas secas se mezclan con formas desdibujadas y casi evanescentes. Juan Gallego recorre, de este modo, su propio camino hacia la abstracción, hacia la sugerencia a través de la forma, pero sin perder nunca un referente real que no llega a ser hermético: aunque no sepamos exactamente de dónde procede la imagen, reconocemos la estructura y los colores de las plantas, dando lugar al retrato de una naturaleza imaginaria, onírica y enormemente seductora. </span></div><span style="font-family:courier new;"><div><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275320330897009570" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 300px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-fnrgofwThDJFFZKvaIW0QyDhMPP0I2e7MDYB-gZrGcRTBEMXmb7MisoSUHVC6fhIhpwIaYwZEnd24dMc94HUTlyEVCUgBFb9YbQM_hMdlh65YY7UYjV3-fVgc9hp8Cwjvrico4QZJ9b-/s400/Posicion-temporal-2004-195x.jpg" border="0" /><br />La mayor trasgresión y originalidad de Gallego consiste, probablemente, en reivindicar un tipo de arte a contracorriente de las tendencias artísticas que dominan el mercado actualmente. Pinta flores, cuando las flores son habitualmente vistas como un motivo propio de principiantes. Trabaja a partir de fotografías, y lo “ortodoxo” es pintar del natural”. Y, por último, pinta cuadros, cuando parece que la pintura ha llegado a un momento de saturación en el que todo está hecho y lo “moderno” es desarrollar nuevos soportes como el vídeo, la impresión digital o la instalación. Por suerte, Juan Gallego lo tiene claro: “<strong>la foto es una herramienta para emplear como se quiera. Lo que yo hago no se puede pintar del natural. Un alga debajo del agua no se puede pintar del natural. ¿Por qué no puedo pintar un alga debajo del agua? No tiene sentido. Si el cuadro al final está bien, da igual cómo lo haya hecho</strong>”. Además, en una época en la que algunos quieren ver aún el nacimiento de una revolución en la pintura, Juan defiende la libertad creativa del artista y el avance del arte a través de las visiones personales, de las nuevas miradas sobre el mundo<strong>.</strong> No es casualidad que, cuando se le pregunta por sus referencias pictóricas en el arte actual, mencione a <a href="http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/freud/">Lucien Freud</a> y <a href="http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/jenny_saville.htm">Jenny Saville</a>. Cuando la abstracción, el minimalismo y la pérdida de referente físico eran la corriente dominante, estos autores británicos propusieron un arte ferozmente orgánico, una vuelta a la figuración y al más antiguo tema pictórico (la figura humana), que ellos reinterpretaron para dar lugar a algunas de las obras más importantes e interesantes de las últimas décadas. </span></div><span style="font-family:courier new;"><div><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275320319877403282" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 291px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbhp1bV0Fdk7WvQclieKOgha7HIdjg-Uj75wyOGETVvuSmm89fbc0B2aqUSpvvHMQGQHC40q756gLFQ2kgl0xSzPpTvl3Bgn-mQp9enuq2HLyCHQizKvlzYr7kCQVGstwd8ALYTDR9kcbf/s400/papeles_25_(2).jpg" border="0" /><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5275320327879156034" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 307px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimIwsBOfcoXffKyP14hMxXbHMTpNclBpM0OSii6lo-f-USzyGSq6tUoM5s8hMOeg2qVWlJhh4o-w5SK1WKcb7Kpcvrc6X1yzTDf_XGrpRJ-BnjTMHvETD644DIyqRP25snRcQi_jNL_zJW/s400/papeles_55.jpg" border="0" /><br />Además, Juan Gallego se empeña en crear un arte de la belleza: <strong>“lo que reclamo es que el arte puede ser bello. Obviamente, no tiene que ser bello por sistema, y hay muchas formas de belleza. Hay que abrir el campo, pero no para mantenerlo cerrado reemplazando un canon por otro”.</strong> Y, por otro lado, reivindica la pintura como actividad material, como manipulación de un elemento físico y, sobre todo, como actividad de disfrute: “para mí hay un disfrute en esa fabricación. Yo pinto porque me lo paso bien pintando. Por eso me dedico a esto”. Y hay que reconocer que ese placer es patente sobre el lienzo. Contemplar los cuadros de este joven artista es una experiencia altamente recomendable, un ejercicio de placer estético y un reencuentro con la esencia de la pintura: un lienzo, unas pinceladas y, misteriosamente, una mirada que revela, una vez más, la imagen terrible y estremecedoramente hermosa del mundo.</span><br /><span style="font-family:Courier New;"></span><br /><span style="font-family:Courier New;"></span><br /><span style="font-family:Courier New;"></span><br /><span style="font-family:Courier New;"><em><blockquote><span style="font-family:Courier New;"><em>Reportaje publicado originalmente en </em><a href="http://revistaenstock.blogspot.com/"><em>enStock</em></a><em> #8. </em></span><br /></blockquote></em></span><span style="font-family:Courier New;"><br /><span style="font-family:Courier New;"><blockquote><span style="font-family:Courier New;">+info: <a href="http://juangallegopintura.blogspot.com/">http://juangallegopintura.blogspot.com/</a></span><br /></blockquote></span><br /></span><span style="font-family:Courier New;"></span></div>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-61097940937343480062008-11-08T05:39:00.000-08:002008-11-08T06:07:55.282-08:00JOSÉ ANTONIO VALLEJO (MORIBUNDO POR EL ARTE)<div align="center"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi21TpGmed1fpY-6KBLuvyMZI8p5qLeaekFwZBfkXeLbguPO3o1Xc1DloqQfNjL4z4-GAqHtdHQ48lC3JrZyoaJhkCtuxf1mJTmis36o3A8kTAfoP6rCa0NwSSUbqeQS2ToaXcnHc92Iasw/s1600-h/mu%C3%B1eco+de+peluche.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266282309571715266" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 218px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi21TpGmed1fpY-6KBLuvyMZI8p5qLeaekFwZBfkXeLbguPO3o1Xc1DloqQfNjL4z4-GAqHtdHQ48lC3JrZyoaJhkCtuxf1mJTmis36o3A8kTAfoP6rCa0NwSSUbqeQS2ToaXcnHc92Iasw/s400/mu%C3%B1eco+de+peluche.jpg" border="0" /></a> <div align="center"><span style="font-family:courier new;font-size:85%;"><em>Muñeco de peluche</em></span></div><div align="center"><em><span style="font-family:Courier New;font-size:85%;"></span></em> </div><div align="center"><span style="font-family:courier new;"></span></div><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">Entré en contacto con José Antonio Vallejo Serrano a través de un amigo común que me recomendó entrar en su myspace. Me encontré, de repente, con una profusión de imágenes que no eran, en ningún caso, las de un amateur. Plasmados en un formato tan engañosamente provisional como el dibujo, sus motivos bebían de la ilustración infantil, el surrealismo o lo gótico (desde la óptica romántica, se entiende) sin que estas influencias ocultaran lo que, en mi opinión, es más esencial en su obra: <strong>lo autobiográfico, la corporeidad y lo onírico</strong> se alían para alejarse de un arte autorreferencial o lúdico y entrar en el siempre problemático terreno de lo personal, de la expresión artística como pensamiento íntimo.</span></div><div align="center"><br /><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266281453127854242" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 294px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyq4pHau8F83iVrUuIoq8mpfXWyBqa3tN3Z6Ogl4FNYfocBzej-tlYNU_4e70xSf3rBChUYWaQwn9pn8JWYrcvccEvElN76isZfo8WbUmM-XxrsPJ1P2cCTqqLzB7bFaiKgrKCoaDVHrr4/s400/aislado.jpg" border="0" /><br /><span style="font-family:courier new;"><div align="center"><span style="font-size:85%;"><em>Aislado</em></span></div><div align="center"><em><span style="font-size:85%;"></span></em> </div><div align="center"> </div><div align="justify"></div><div align="justify">A través de sus dibujos, <strong>Moribundo por el Arte</strong> (es éste el nombre que ha adoptado como alias, como avatar de guerra) habla, sobre todo, de sí mismo. La incomunicación, el aislamiento, la frustración, el amor, el sexo o la búsqueda incesante de una memoria varada entre el edén de la infancia y las dolorosas reminiscencias de la fiebre son temas que Vallejo trata a través de trazos deliberadamente ingenuos que combinan distintas influencias e intenciones. El rasgo definitivo de su poética podría ser, viendo sus imágenes, <strong>un depurado empleo de determinados símbolos (las mangas interminables, un oso de peluche, un cuerpo humano vestido, intervenido y yuxtapuesto según el tema de la obra)</strong> que lo acercan al surrealismo (Tanguy) y al arte instintivo. También es notorio el uso que hace del material plástico (el lápiz, los colores, la pintura, el papel) lacerando, inundando e imponiéndose a la superficie en un modo que recuerda a Dubuffet. De todos modos, todas las referencias que quieran darse pueden ser revelaciones o simplemente imposturas. Lo único incuestionable es que nos hallamos ante un jovencísimo talento, un artista del que se hablará (al menos, nosotros lo haremos) en el futuro. De momento, ha respondido al cuestionario de El Pintor de la Vida Moderna, y me cuenta que <strong>el espacio Mushotoku (Santa Bárbara, 8) acoge una muestra de algunos de sus dibujos sobre bailarinas de baile Butoh. </strong></div><div align="justify"><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266282301830737954" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 300px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjj2L1Wh1CpUQbJJ1Q4ZIwi0Qlwc1R46hVRCt1YHBSrSpwFsXGIeu0AMDR7SxnohPVzEOVilHG4WxPvKNr1mFdihLz5JXAYQ8eU5fJncd6dAZvLsaLRYdU4mAD5Y75xDo4HypFtSHZL2jiH/s400/incomunicacion.jpg" border="0" /></span><span style="font-family:courier new;"> <div align="center"><em><span style="font-size:85%;">Incomunicación</span></em></div><div align="center"><em><span style="font-size:85%;"></span></em><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266281753284160994" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 294px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuBYE0MFrnetDxwWE6uaOFthNRVr_bgmjmuI1fwEFQSO63bfaZ01TdhXjes5qbNorWI7mISGfSXGuhcDzOtDOcy6ohDENT7waECOTYuHgBwWY_tVZESdMknbKMmbjUfESjURMGOiaDFy8U/s400/chaqueta+con+desamor.jpg" border="0" /><em><span style="font-size:85%;">Chaqueta con desamor<br /></span></em></span></div><div align="left"><span style="font-family:courier new;color:#ff0000;"><strong>CUESTIONARIO</strong></span></div><div align="center"><span style="font-family:courier new;"></span></div><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><strong>Ilustración, diseño, pintura, fotografía... ¿Con qué disciplina te identificas más y por qué? ¿Qué te ofrece una en concreto o el conjunto de todas?<br /></strong><br />Me identifico con el dibujo. Hay una creencia sobre los artistas que elaboramos nuestra obra con técnicas tradicionales dibujísticas y es que elaboramos ilustraciones. Una ilustración adorna o documenta, pero mis dibujos aunque se pueden interpretar como documentación de mi experiencia vital, son obras que se mantienen por sí mismas sin necesariamente el apoyo de mi concepto. </span></div><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><br />El dibujo es algo fantástico porque es libre e inmediato, siempre pongo el ejemplo de que con sólo un lápiz al trazar una línea horizontal ya estoy creando un mundo nuevo, un trazo que separa un cielo y una tierra, de golpe un universo con sólo un movimiento de la mano.<br /></div><p align="center"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266281465036272210" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 258px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvPlaHvlh-QdIy8nl0MdDbw87x20kir68dW18ScFyOVpjw4xnXZPjZHbcGDVcnUGiqM6ukXB7hwcgQioStRY27jqD0CO1mV2C-ZPiyqI5r7ELG9XzPQjX6yOHSQgTig7NUaZSEJBqVbZkh/s400/di%C3%A1logo.jpg" border="0" /><em><span style="font-size:85%;">Diálogo</span></em></p><p align="justify"><br /><strong>¿Hasta qué punto tu obra está protagonizada por tu propia figura y tus experiencias? (principalmente en las fotografías y en los títulos, casi narcisistas, de algunas de tus ilustraciones). ¿Por qué elegir el oso de trapo como máscara?</strong><br /><br />Es interesante porque es algo que mucha gente no entiende sobre mi obra. Todas las imágenes que creo están sacadas primero formalmente de muchas fotografías autorretratos y luego de experiencias que extrapolo del ámbito personal al de mi producción. Así te puedo responder que mi obra está por entero protagonizada por mi figura a no ser que te dibuje un teléfono o una mujer y, que a pesar de que el producto sea un cuerpo femenino, estaré plasmando mi experiencia en él, en su gesto o la manera de realizarlo. Es una manera de crear que parte de lo íntimo que es lo que conozco a duras penas, no entiendo otra. </p><p align="justify"><br />El oso tiene parte de anécdota y parte íntima. Yo estaba pasando por un proceso de ruptura y analizaba mis sentimientos de ese momento. Pensaba en la metáfora del muñeco usado y desechado, de cómo abandonamos lo que hemos querido por algo nuevo o porque se rompe... Por casualidad pasamos delante de un escaparate de una tienda de moda muy conocida y los maniquíes llevaban estas cabezas. Al instante encajé todas las piezas, supe que debía comprar las máscaras de oso y así lo hice. Fue la primera vez que trabajé con la idea del muñeco y me gustó, hice una serie de fotos y cuatro dibujos.<br /></p><p align="center"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266282463574794354" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 280px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbL2mfGKKx-GOg-eg1Xz8rYWKcYNwDprYXHZPIAB7pqu6OOeEtz2YxmpxTCKt4Dfo1UsH5zI6G5KIufMXup4pU5KnyPpRYfwTNzNQ0igAg5jkqeKDvknvL-rO5nnL6O-RnE0dElOyoPcqS/s400/ropa+interior.jpg" border="0" /><em><span style="font-size:85%;">Ropa interior</span></em></p><p align="justify"><br /><strong>-En tu obra hay varios elementos (el oso de juguete, el tono de algunas ilustraciones) que remiten a las ilustraciones infantiles. ¿Es la ilustración de cuentos una fuente de inspiración y de modernidad hoy en día? ¿Cómo se puede romper la barrera tradicionalmente existente en este género? ¿Quizás hay algo de naif-macabro en tus dibujos?<br /></strong><br />Es cierto que las ilustraciones de los cuentos influyen de manera clara y directa en mi obra, es una fuente de inspiración maravillosa con dibujos de Beatriz Potter sublimes y cosas como los cuentos de calleja que mi madre guardaba por los cajones del salón. Sobre la modernidad no me gusta utilizar esa palabra porque es como decirla y ya ha pasado de moda, simplemente entiendo que siempre han sido referentes tanto en el dibujo moderno como en el de hace veinte años o diez... Pero ahora llama mucho más la atención porque lo que sucede es que los artistas explican con ese modo infantil problemas muy adultos, problemas de alarma social como la pederastia, el maltrato o la drogadicción. </span><span style="font-family:courier new;"></p><div align="justify"><br />Sobre lo naif y lo macabro es obvio que intento imprimir algo así en casi todo lo que hago. Mis dibujos no son amables, no te cuentan generalmente una historia bonita ni un hecho feliz. Son cosas que me hacen sufrir pero que no sé explicar de otro modo más que con este lenguaje de niño, ello me libera y me ayuda a comprender lo que me rodea. La palabra más exacta para referirte a ello y que usó Juliao Sarmento para referirse a mi obra es siniestro. </div><br /><br /><p align="center"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266282001106217666" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 399px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVkw1cVrE8oRR0BL73_FdjLJRx1yb6xeanucJaX5vlKzNABcY_xWaysG8u5AwLF3tYA0_vOghTZ122kFsVNJIJWhj3H-6DYFPvqxtUFfmoCX0EIRwU1OL_clrokbtrGP4T6EH5893jN1f2/s400/desorden+personal.jpg" border="0" /><span style="font-size:85%;"><em>Desorden personal</em></span></p><p align="justify"><br /><strong>Uno de los elementos más interesantes me parece el símbolo de las mangas interminables que, al contrario de lo esperable, aíslan a unos personajes de otros. ¿Por qué esta elección? </strong><br /><br />En tercero de carrera junto a mi profesor Antonio Rabazas realicé los primeros dibujos sobre brazos. Al principio eran una herramienta para conseguir alcanzar objetos lejanos o abarcar grandes cosas, una suerte de prótesis aumentativa para expresar unos sentimientos o lograr unas metas. En cuarto ya había trabajado la idea del muñeco con la serie del oso, pero recordé que en Barrio Sésamo, las marionetas normalmente poseían unos brazos enormes movidos por unas varillas y me hizo gracia la idea, que fuese tan sencillo. Los brazos de estas marionetas son de tela y se mueven si alguien los maneja (así dibujo las varillas en las primeras ilustraciones de la chaqueta) pero por sí solos no tienen control, son puro trapo. Me gusta la similitud con una camisa de fuerza, así el primer dibujo se llamaba “Chaqueta Marioneta” y el segundo, cuando se alarga se llamó “Chaqueta Marioneta se vuelve loca”. Esa locura me fascina, los personajes andan en ese limbo, buscando, intentando hallar algo que no llega o que aunque tengan cerca, la inestabilidad de sus miembros les hace incapaces de asir. </p><p><br /></p><p><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266282318551006834" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 293px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuLu_o3Oew6Af2C5Zxjzw1J79H3pRWSV6N5pFJ7uZCdUqHQFEgxjnjOwzrbeUN16IWK-ZjlGXQG3ylMhKYn99BPoWp87I1kH5iOZQo3JXq7eR5-41arYM-oF82VFJA0OSgw7V_2_NBrIsW/s400/persecucion.jpg" border="0" /></p><p align="center"><em><span style="font-size:85%;">Persecución</span></em></p><p align="center"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266282302372078658" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 286px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0COfBNxSo1uaaiy_ZZmya0IHLDEeIk10jk3OkiFAK7_d8MAOk1xK2ksYDnOSeyVtBP1iAvafM2NHEGTTU4YK8Sq97PZMhOFJWTzW7lqo6JqmZ9-ntl1Xsn752W5wVBrX3rZykNWMxxj0m/s400/l_281c27d463996a90942147b937bf8a89.jpg" border="0" /><em><span style="font-size:85%;">Homme-Maison</span></em></p><p align="justify"><br /><strong>¿Cuáles son tus influencias estéticas más importantes? ¿Te inspiras en el arte contemporáneo? Lo digo porque hay algunas obras claramente autorreferenciales, como las de "esencias" de artistas.</strong><br /><br />Hubo una vez que listé todos los artistas que me han influido de algún modo u otro. Me dejé alguno en el tintero pero llegué a poner hasta sesenta y dos artistas en aquel escrito. De manera muy clara me impresionan Kiki Smith, Rebecca Horn o Louise Bougeois a las que tuve que estudiar por encargos de trabajos en la facultad. Otro muy importante es Jaume Plensa... Me gusta sobre todo la obra de mujeres artistas.<br /></p><p><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266281749470972018" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 175px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-ANck_XBZ85TAbx6OBY28CZFXupl1fHl25lWzFf_RgeCkhoJBDA3W-wAxXopXldqTX4-fs-RG3y2kqYUCAEXYpbvO3GkxtIC20oJosfj6NmWe12j3PkgoKSh2JP87h2IDKyigmY8txTjX/s400/beuys.jpg" border="0" /></p><p align="center"><em><span style="font-size:85%;">Esencia de Beuys</span></em></p><p align="center"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266282003084297906" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 170px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4g1a5DVK7LrezK_-oEvE9Rzm8VAZEVzeW3bWcgF9oQlNpb2xptZFaHaR4q0gx9e5newO5Fn9jSNdIPhVSTTyviBGyGM83mGhnTJ9Ti9aGM44yhg9tux-xHoEIceWGZeIz_fRTWxEmdE1U/s400/esencia+de+bourgeois.jpg" border="0" /><em><span style="font-size:85%;">Esencia de Bourgeois</span></em></p><p align="justify"><br /><strong>¿Cuál es la perspectiva comercial y profesional (en términos de carrera, ventas) de un artista de tu tipo? ¿Cómo ves el arte en España hoy?</strong><br /><br />La perspectiva comercial no es mala, sobre todo si te mueves de una manera ágil en el mundo de las relaciones interpersonales. Debes ser un buen relaciones públicas y saber venderte siendo elegante y fiel a unos principios. Juan José Gómez-Molina siempre nos aconsejó que no subiéramos al tren de la moda porque es un tren que pasa rápido y no puede coger todo el mundo. Él aconsejaba serte fiel principalmente y esperar a que pasase el tren por tu parada y siendo así te aseguro que se abren puertas. Hay que ser constante, fiel y presentarte a todos los concursos que se te pongan por delante. El arte ahora en España tiene muchos medios para darte a conocer pero tienes que estar al tanto en páginas oficiales y apuntarte a newsletters de páginas especializadas o galerías. Yo acabo de ser seleccionado en la feria internacional de arte Ingráfica que se celebrará en Noviembre en Cuenca y hay muchas más cosas cada día. Las generaciones de artistas si que deben dejar paso a un relevo generacional que está pidiendo un sitio y el arte está ahora mismo en este proceso de cambio. </span><span style="font-family:courier new;"></p><br /><br /><p align="center"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266282011559678482" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 144px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqLNfHUKaJ3OX1Ek1z9aeZb3dj5SSHLQFKTvuJ0e8TMCp2sEDpFHrS7un253uqUGsB-3INvosGonDyIKW7c2BpoJpavtK9W8U8WC4FJbycU_2E2MY9fDLvWQgN0tXjF8JnfrU5q6KRzODZ/s400/estudie+mientras+dormias.jpg" border="0" /><em><span style="font-size:85%;">Estudié mientras dormías</span></em></p><p align="justify"><br /><strong>¿Me equivoco si advierto en tu obra una gran presencia de elementos referentes a lo sexual? ¿Por qué crees que hoy hay tantos artistas que la comparten?</strong><br /><br />Hay menos referencias sexuales de las que muchas veces planeo. Siempre me atrajo dibujar gente desnuda o gente follando pero nunca he conseguido ponerme con ello. Si existen esos elementos sexuales como habrás podido comprobar están infantilizados o no son del todo conscientes. Me gusta remarcar la boca, simular besos... La sexualidad forma parte muy importante de mí y tiene su lugar en el proyecto sobre los muñecos con el muñeco hinchable que aún no he llegado a desarrollar. El sexo está en todo y en todos, las imágenes publicitarias, el pop, las venus con paños mojados... ¡Claro que la comparten otros artistas! Yo creo que casi todos los artistas lo comparten o quizá es una percepción mía, no te sé explicar la razón. </span><span style="font-family:courier new;"></p><br /><br /><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5266282292328864530" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 169px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia7jI-ikXpUqZteSz2_5PWqiggiTvNOUclRyY50RmO1_Npfk5Vj7L8UwQOdzh1qUVBLZIW4f5QAAcpILfgHSl-31L_Je5KjBSlFAz2M25tcjP4MV_BCzo7hyphenhyphenJ46ne_ZMIgu8LjgZq0wDBk/s400/hombre+botella.jpg" border="0" /> <p align="center"><em><span style="font-size:85%;">Hombre botella</span></em><br /></p><blockquote><p align="left">+info: <a href="http://www.myspace.com/moribundoporelarte">http://www.myspace.com/moribundoporelarte</a></p></blockquote></span>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-20413065671143041352008-09-26T04:56:00.000-07:002008-09-26T05:44:03.832-07:00HARVEY RAYNER<p align="justify"></p><br /><br /><div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBlFL8Q7MBGezka8TyLuRbWtoJBKr4vuyTGVtgjYZclUeq_yLpnpVZhHcCRDovhKz0VeYgELyIG-ul41J8GdpZUgOQkI3UlFmv06WJygYcMPbcDyMMpnRlqSFY6H4hyphenhyphenXgjWMMV5itq2VCq/s1600-h/harvey.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5250300001366196418" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBlFL8Q7MBGezka8TyLuRbWtoJBKr4vuyTGVtgjYZclUeq_yLpnpVZhHcCRDovhKz0VeYgELyIG-ul41J8GdpZUgOQkI3UlFmv06WJygYcMPbcDyMMpnRlqSFY6H4hyphenhyphenXgjWMMV5itq2VCq/s400/harvey.jpg" border="0" /></a><br /><div align="justify"><strong><span style="font-family:courier new;"></span></strong></div><span style="font-family:courier new;"><em>Británico</em></span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><em>Artista digital</em></span></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"></span></div><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">Hace tiempo estuve haciendo un trabajo acerca de la escritura experimental practicada en el Ouvroir de Littérature Potentielle (OuLiPo), un taller literario que, en las décadas de los años sesenta y setenta, revolucionó la vida cultural francesa a través de un ejercicio artístico en el que las formas lo eran todo. La adopción de complicadísimas constricciones formales (métricas, matemáticas, arbitrarias) dieron como resultado obras sorprendentes en las que la imaginación se vio obligar a buscar su camino entre los rígidos corsés de la formalidad. Algo parecido sugiere la obra del artista británico Harvey Rayner. <strong>Mediante la adopción de un lenguaje en principio frío (el de las matemáticas, la geometría)surgido de su propia invención, y que ha bautizado como "Root2Art", logra imágenes enormemente rotundas</strong>. Como él.</span></div><div align="justify"><span style="font-family:Courier New;"></span></div><div align="justify"></div><div align="justify"><span style="font-family:Courier New;"></span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"></span></div><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://root2art.co.uk/best_digital_art/img/repeating_pattern_art.gif" border="0" /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">Outsider profesional (de hecho, trabaja en una fábrica puesto que su obra no le permite subsistir), este diseñador ha logrado hacerse un hueco entre la heterodoxa comunidad cibernética. Sus sucesivas webs son un éxito de visitas, sus imágenes despiertan admiración y, en el fondo, no importa tanto (ni a él ni a nosotros) que las instancias del arte oficial no hayan mostrado demasiado interés por él. </span><span style="font-family:courier new;">Sus palabras revelan a un hombre con <strong>sentido del humor, capacidad de autocrítica y un notable optimismo</strong> que, quizás, extraiga del Zazen, método de meditación oriental que practica con asiduidad y del que extrae inspiración para sus obras. </span></div><br /><p align="justify"><span style="font-family:courier new;">Harvey Rayner se dedica al arte digital. A través de programas informáticos de ilustración, crea imágenes basadas en la complejidad de las formas geométricas. <strong>La inspiración oriental se manifiesta en formas cercanas a las mandalas y a los patrones intrincadamente enrevesados de la ornamentación asiática. La ausencia de un referente real, la carencia casi absoluta de figurativismo aproximan sus obras a la construcción de paraísos artificiales, de vías de escape un poco new age y de serenidad ultraterrena.</strong> Su mejor galería, su escaparate idóneo, es su página web, que os invito a leer y a disfrutar. Después, podéis regresar aquí y leer las muy generosas respuestas que ha dado a nuestras preguntas.</span></p><p align="justify"><span style="font-family:courier new;"></p><p></p></span><span style="font-family:courier new;"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://root2art.co.uk/best_digital_art/img/monochrome_geometric_art.gif" border="0" /><br /></span><br /><div align="justify"><strong><span style="font-family:courier new;"></span></strong></div><span style="font-family:courier new;"><strong><span style="color:#ff0000;">CUESTIONARIO</span></strong><br /></span><div align="justify"><br /></div><br /><div align="justify"><strong><span style="font-family:courier new;">¿Cómo empezaste a crear obras inspiradas y basadas en las matemáticas? ¿Alguna vez te han acusado de hacer un arte frío?</span></strong></div><span style="font-family:courier new;"><strong><div align="justify"><br /></strong>En mi trabajo, la geometría no está ahí como una estructura subyacente que organiza un lenguaje artístico adicional e independiente, sino que es el verdadero material de la obra. Mi elección de emplear familias específicas de relaciones geométricas se debe a una voluntad de limitar mis opciones. Esto quiere decir limitar mis opciones en términos de dónde y cómo puedo crear un elemento en relación con otro y con la obra completa. En poesía y música, lo llamamos "métrica". La métrica en el arte es tan antigua como el arte mismo. De hecho, todo artista, consciente o inconscientemente, crea metros en su obra, y es esto lo que determina el estilo de un artista frente a otro. Por ejemplo, Picasso, en una época, limitó su paleta a los azules y, frente a la riqueza de colores disponible, esto le dio la libertad artística necesaria para expresar algo de manera muy precisa. Creo que la limitación no es más que una condición necesaria para la expresión creativa, y lo que da fuerza a esa expresión es la invención y variedad que el artista halla dentro de esos límites. Por supuesto, esto no es nada nuevo. Los antiguos griegos hablaban de lo mismo en términos de "variedad dentro de la unidad". En el Zen, tenemos el "todo en uno: uno en todo". De hecho, en el Zen es toda la realidad la que es así, no sólo el arte.<br /></div><br /><br /><div align="justify"></div><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://root2art.co.uk/best_digital_art/img/zen_art.gif" border="0" /><br /><br /><div align="justify"><strong>Trabajas con figuras geométricas, pero ¿cuáles son tus otras influencias e inspiraciones estéticas o éticas? Porque tus imágenes son complejas e interesantes, pero también muy hermosas.</strong><br /></div><div align="justify"><br />Creo que nuestros intereses y personalidades encuentran inevitablemente su camino a través de las obras y las actividades creativas. En mi caso, mis intereses son muy amplios: tecnología, arquitectura, matemáticas, ingeniería y, por supuesto, el arte y el diseño es su más amplia expresión. Quizás el elemento más influyente en mi trabajo es la práctica del Zazen, que es meditación Zen en una postura determinada, la del loto. A través de esta práctica estoy aprendiendo a respirar con mis globos oculares y ver con el abdomen. Ésta es la habilidad más importante para cualquier artista. Sin esto, el artista no puede crear algo original.</div><br /><div align="justify"></div><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://root2art.co.uk/best_digital_art/img/abstract_pattern_composition.gif" border="0" /><br /><div align="justify"><strong>¿Por qué creas imágenes en blanco y negro? ¿tiene algo que ver con el minimalismo?</strong></div><div align="justify"></div><div align="justify">Mi utilización de una paleta de escala de grises tiene que ver, de nuevo, con la limitación y la métrica. De hecho, durante los primeros años en que desarrollé el canon de trabajo "Root2Art", sólo empleaba tres tonos: blanco, negro y un gris intermedio. Una amplia mayoría de mi obra más reciente sólo usa cinco o siete tonos.</div><div align="justify"><br />En ocasiones, cuando me cuesta resolver una obra, empleo color, pero una vez veo claro el modo en que quiero que funcione la estructura, entonces soy capaz de definir la pieza en monocromos. Introducir color en mi obra sería como tocar una obra musical compuesta para piano con una orquesta entera. La orquesta aportaría una cierta riqueza y complejidad, pero también, en la mayoría de los casos, a costa de la claridad estructural. Para mí, el objetivo es revelar precisa y claramente la invención compositiva de una obra, y creo que el resultado es mejor sin la distracción del color. Podemos reducir el color a una estructura tonal monocromática, pero no viceversa.</div><br /><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://root2art.co.uk/best_digital_art/img/spiritual_art.jpg" border="0" /><br /><div align="justify"><br />Recuerdo claramente, hace más o menos diez años, ver un guijarro en la playa y pensar –"¿Cómo podría crear algo que añada algo a la infinita complejidad y riqueza de la naturaleza? Incluso en la superficie de este guijarro hay una textura maravillosamente sutil y una infinita variedad de color. Si voy a hacer algo que sea una contribución genuina a la diversidad visual del mundo, entonces sería inútil tratar de vencer a la naturaleza en su propio campo". Emplear una paleta limitada cromáticamente y eliminar toda textura también tiene que ver, por tanto, con desprenderme de los aspectos más sensuales del arte, simplemente porque esto es algo que siempre puede ser hallado en la abundancia desatada de la naturaleza.</div><div align="justify"><br />Respecto al minimalismo, no sé lo que es. Los 'ismos' son en verdad algo tan simple como la creación de los teóricos e historiadores del arte. Cuando situamos una obra de arte en una categoría, nos volvemos parcialmente ciegos ante ella. Si pensamos que entendemos lo es que una obra de arte, entonces ya la hemos perdido de vista. Yo, aquí y ahora, hablando acerca de mi propia obra, supone algo parecido. Soy mucho peor que cualquier historiador del arte. La gente cuyo trabajo es hablar de arte no sabe hacer nada mejor (bromeo).</div><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://root2art.co.uk/best_digital_art/img/geometric_mandala_art.gif" border="0" /> <div align="justify"><br /><strong>Has trabajado en proyectos cercanos al diseño, creando, por ejemplo, un invernadero. ¿Estás interesado en la relación entre arte y vida cotidiana?</strong></div><strong><div align="justify"><br /></strong>Cuando hago arte, se trata de mi vida cotidiana. Cuando estoy diseñando invernaderos, arreglando el coche, haciendo la cena, hablando con mis amigos o jugando con los niños, ninguna de estas actividades produce o requiere un estado mental distinto del necesario para hacer arte. Cuando estoy enteramente concentrado en lo que algo, esa actividad se convierte en creativa. La creatividad no es algo que extraiga de un determinado lugar y voluntariamente lo aplique a la elaboración de una obra de arte o a la resolución de un problema de diseño. Tal como yo lo veo, la resolución de un problema tiene que ver con ver el problema con claridad. Desde el momento en que miramos cualquier situación con todo nuestro cuerpo y toda nuestra mente, cuando estamos absolutamente presentes, entonces vemos que cada situación es única, y surgen naturalmente respuestas y soluciones adecuadas también únicas. Si estamos enteramente presentes en la vida diaria, entonces encontraremos habitualmente la capacidad para expresarnos creativamente en todas nuestras actividades cotidianas. Incluso cuando vamos al baño (bromeo).</div><div align="justify"></div><div align="justify"></div><div align="justify"></div><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://root2art.co.uk/best_digital_art/img/digital_art.gif" border="0" /> <div align="justify"><br /><strong>¿Qué tipo de reacción muestran galerías y público ante tus obras? ¿te consideras un artista de éxito?</strong><br /></div><div align="justify"><br />No sé qué tipo de respuesta obtendría de las galerías comerciales si llevara mi obra a cualquiera de ellas. Desistí de intentar encontrar una galería que representara mi obra hace más o menos cinco años. La reacción habitual solía ser la de afirmar que mi obra era en cierto modo algo distinto al arte. Siempre alegaban el paralelismo con el diseño gráfico, pero la relación de mis obras con algo más significativo parecía no ser evidente. No es de extrañar que no haya sido capaz de colocar mi obra en una galería notable, porque al fin y al cabo estos sitios existen para ganar dinero a pesar de su interés por mostrar nuevas obras. Si cualquier arte es inmediatamente reconocible como contemporáneo, entonces su lenguaje debe ser ampliamente accesible a través de la cultura visual. Cuando una obra no refleja sencillamente, sino que crea un lenguaje visual verdaderamente nuevo, entonces debemos esperar que no sea reconocible instantáneamente, ni siquiera como arte. Si algo no es visto como arte, ¿cómo vas a venderlo en una galería?</div><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://root2art.co.uk/best_digital_art/img/digital_pattern_art.gif" border="0" /><br /><div align="justify">Respecto al éxito, ¿cómo lo cuantificamos? En términos convencionales, mi 'carrera' como artista es bastante desastrosa. En 15 años, nunca he sacado un dólar de ella, y soy todavía una entidad desconocida en el más amplio mundo del arte (offline). Mi presencia en la red es notable, pero no estoy seguro de qué parte de este porcentaje responde a mi obra. Es curioso, a veces me llegan emails de estudiantes que me preguntan cómo me convertí en un artista digital de éxito. Algunas personas asumen, viendo mi web, que me da para vivir de ello. Así que, a través de mi web, he conseguido crear, al menos, la impresión de éxito. Esto es gracioso, porque, para pagar las facturas, me dedico a la limpieza de torres de refrigeración industrial, que es un trabajo físicamente duro, húmedo y sucio. Es uno de los trabajos menos glamourosos que puedas imaginar. </div><br /><div align="justify"></div><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://root2art.co.uk/best_digital_art/img/modern_abstract_art.gif" border="0" /><br /><br /><div align="justify">Hasta ahora, he aprendido mucho de la vida: si damos importancia a las nociones abstractas de éxito, entonces también se la damos a la ausencia perceptible de éxito. Tanto el suceso como el fracaso no son más que ilusiones. La vida de un hombre que piensa que tiene éxito no siempre es feliz, y la vida de un hombre que se considera fracasado no siempre es triste. La vida de un hombre que no ve realidad en el éxito ni en el fracaso está más allá de la turbación (risas).</div><div align="justify"></div><div align="justify"></div><div align="justify"><blockquote><div align="justify">+info: <a href="http://root2art.co.uk/">http://root2art.co.uk/</a></div></blockquote></span></div>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-88887388710275075462008-09-19T02:38:00.000-07:002008-09-19T03:03:03.332-07:00HENRIQUE UNNO - IKERO<div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><br /><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://farm1.static.flickr.com/168/426046569_13628e5f5d.jpg?v=0" border="0" /><br /></span><div align="justify"><em></em></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><em>Brasileño</em><br /><br /></span></div><div align="justify"><em><span style="font-family:courier new;">Vive y trabaja en São Paulo</span></em></div><br /><br /><div align="justify"><br /><span style="font-family:courier new;">Henrique Unno es diseñador e ilustrador. En 2002 completó su formación en diseño industrial con especialidad en programación visual en la Facultad de Artes Plásticas de la FAAP (Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo). En esa época, trabajaba como asistente artístico en un taller de modelado de juguetes donde permaneció hasta mediados de 2003. Aprendió allí distintas técnicas: modelado en arcilla, escultura en yeso, cera y pintura con aerógrafo. En 2006 terminó su postgrado en Comunicación, Arte y Tecnología. El tema de su monografía fue “Palabra e imagen – La ilustración en el contexto de la revista brasileña contemporánea”. Desde entonces, trabaja habitualmente con <strong>ilustración vectorial</strong>.<br /><br />Lo primero que me llamó la atención de su obra fue el modo en que una técnica y una estética hoy comunes e, incluso, convencionales (la ilustración vectorial) toman un cauce distinto al habitual (figuras aisladas, icónicas, con cualidad casi de logotipo) a través de la construcción de espacios y contextos. Muestra de ello son las imágenes que reproducen, con una disposición estructural plenamente fotográfica, los puntos de visita obligados para todo turista por Europa o Estados Unidos. <strong>Los colores planos, la ausencia de líneas definidas, en resumen, todos los rasgos plenamente vectoriales aportan un aspecto naif, inocente y gozosamente pop</strong>. La eliminación de algunos elementos de los originales fotográficos contribuyen además a generar pequeños vacíos inquietantes (pienso, por ejemplo, en el porche que, en “The Rocks”, toma una apariencia ilógica, suspendido en el aire, hiriendo una superficie plana en la que la perspectiva se revela como un artificio clave).<br /></span></div><span style="font-family:courier new;"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://farm1.static.flickr.com/181/426058169_05b79b778b.jpg?v=0" border="0" /><br />En su recreación de la explanada del Louvre, por ejemplo, la imagen toma el aspecto de una maqueta, de un proyecto arquitectónico, con la diferencia de que esta ilustración ha sido tomada a partir del original, del espacio físico existente y terminado. </span><span style="font-family:courier new;"><strong>Sugiere, quizás sin proponérselo, algunas cuestiones acerca de la importancia, en el diseño actual, de los proyectos irrealizables, de las imágenes que, al simplificarlo, idealizan un espacio imposible, generando una sensación similar a la irrealidad que produce la contemplación (confieso que es uno de mis ejercicios favoritos) de las maquetas de futuras promociones inmobiliarias.<br /></strong><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://farm1.static.flickr.com/169/426049973_c15d39e375.jpg?v=0" border="0" /><br />También es necesario prestar atención, en estas imágenes, a la importancia de lo tecnológico como símbolo. <strong>Lo humano, apenas esbozado, está siempre complementado por la obsesiva presencia de dispositivos electrónicos, ipods, carteles luminosos y gadgets de todo tipo</strong>. En paisajes despojados de la presencia humana, estos aparatos implican la necesaria virtualidad de la vida contemporánea, la complementación de lo biológico con lo inorgánico, el mundo-cyborg, al fin y al cabo.<br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://farm1.static.flickr.com/163/426049957_d9dd75d107.jpg?v=0" border="0" /><br />Una de las series más interesantes es la que, en un pequeño número de ilustraciones, muestra imágenes en blanco y negro de espacios decorativamente vanguardistas en los que la <strong>irrupción colorista y vital de la presencia humana</strong> surge, precisamente, de las pantallas de los dispositivos electrónicos. Esta paradoja (lo humano no está dentro sino fuera de la tecnología) me parece el mayor hallazgo de este artista. De todos modos, son apreciaciones personales. Veamos ahora lo que él mismo nos ha contado de su trabajo.<br /><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://farm1.static.flickr.com/169/426054178_16cf8bd7e0.jpg?v=0" border="0" /><br /><strong><span style="color:#ff0000;"></span></strong><br /></span><span style="font-family:courier new;"><strong><span style="color:#ff0000;">CUESTIONARIO<br /></span></strong><br /></span><span style="font-family:courier new;"><strong>¿Diseñador o artista?<br /></strong><br />Por mi formación, soy diseñador, pero actualmente he trabajado más con la ilustración. Podría decir que soy un diseñador que ilustra. Lo que ocurre, la mayoría de las veces, es que aplico las teorías aprendidas en clase en las composiciones de mis trabajos: color, figura y fondo, fuerzas espaciales, contrastes, equilibrio de los elementos, peso, dirección, valores y tensiones del campo, estructuras perceptivas, etc. Respecto a la diferencia y relación entre artista y diseñador, es un asunto que encuentro delicado. Cualquiera que haga un curso de Photoshop e Illustrator se considera diseñador, y también hay quien se considera artista por pintar un cuadro sin haberse formado para ello. Éste fue, precisamente, uno de los temas de mi trabajo de postgrado:<br /><br /><br /><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://farm1.static.flickr.com/165/426054195_5dc5c06096.jpg?v=0" border="0" /><br /><br /></span><div align="justify"><em><span style="font-family:courier new;">“Al contrario de un artista plástico, la mayoría de los ilustradores escoge el trabajo primero y sólo después surge el arte, siguiendo un proceso de trabajo. Generalmente reciben una pauta del director de arte. Y esas cuestiones son los datos básicos que darán lugar a l a realización del trabajo, al contrario de los artistas plásticos, que toman como base sus propias ideas y emociones. Ese proceso también requiere pensamiento, observación, búsqueda y trabajo. El ilustrador, generalmente, trata de resolver un problema de comunicación visual para un cliente, y antes del proceso se establece un acuerdo entre ambos. La obra del artista se vende a un cliente dispuesto a pagar sólo después de su finalización. Por supuesto, hay casos de trabajo bajo pedido, pero en ese caso el proceso del artista es más parecido al del ilustrador.”</span></em></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"></span></div><span style="font-family:courier new;"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://farm1.static.flickr.com/157/426049944_fadf325bc1.jpg?v=0" border="0" /><br /><br /></span><div align="justify"><strong></strong></div><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><strong>¿Qué buscas a través de la alteración digital de las imágenes?<br /></strong><br />Esta alteración no es más que una técnica de ilustración digital. La escogí para la mayoría de mis trabajos, pero no necesariamente me limito a ella. Cuando quiero detallar, prefiero los lápices. En el caso de las ilustraciones vectoriales, se trata de algo puramente estético. Mi objetivo es estilizar las imágenes y transmitir el máximo de información con el mínimo de detalles. Raramente empleo la sobra, el reflejo, los efectos de volumen... Los edificios se convierten en bloques, los paisajes se transforman en grupos de colores y las formas orgánicas se hacen geométricas. Otra característica es la ausencia de rostro en las figuras humanas. En mis composiciones siempre doy protagonismo al escenario, a los accesorios, a los objetos, y dejo a los personajes como complementos, casi en segundo plano.<br /></span></div><p><span style="font-family:courier new;"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://farm1.static.flickr.com/147/426054167_6bb35027b4.jpg?v=0" border="0" /><br /></span><span style="font-family:courier new;"><strong>Creo que la mayor belleza de tus obras reside en la construcción de un mundo referencial algo naif, con muchas referencias a las nuevas tecnologías y a los iconos contemporáneos. ¿Haces Pop Art?<br /></strong><br />Prefiero no clasificar y dejar que el observador interprete. Como dices, mi arte es ése: el de las referencias a las nuevas tecnologías y a los iconos contemporáneos. Me encanta observar a las personas, los lugares, y tengo verdadera pasión por la ilustración. Mi proceso de creación pasa por varias etapas: recojo imágenes, saco fotos cuando las necesito y, a partir de ahí, comienzo a esbozar mis ideas. Intento llevar a mi mundo todo lo que veo y me gusta. Opino que lo bueno de ilustrar es eso: crear un mundo propio.<br /><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://farm1.static.flickr.com/160/426054203_22b8bd7c33.jpg?v=0" border="0" /><br /></span><span style="font-family:courier new;"><strong>¿Cuál es la reacción del público ante tus obras?<br /></strong><br />Mucha gente no entiende que no detalle el rostro de las personas, o que no intente perfeccionar la técnica de ilustración para hacerla más realista. Pero yo creo que está bien así, y cuando busco algo más detallado empleo el lápiz y no la ilustración vectorial.<br /></span></p><p><span style="font-family:courier new;">+info: </span><a href="http://www.flickr.com/photos/ikero_henrique/"><span style="font-family:courier new;">http://www.flickr.com/photos/ikero_henrique/</span></a></p></div>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-44709251823963732732008-09-09T15:35:00.000-07:002008-09-09T16:29:08.546-07:00LUKAS BEYELER<a href="http://b9.ac-images.myspacecdn.com/00603/91/38/603578319_"></a><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://b9.ac-images.myspacecdn.com/00603/91/38/603578319_l.jpg" border="0" /><br /><br /><span style="font-family:courier new;"><em>Suizo.</em></span><br /><br /><span style="font-family:courier new;"><em>Nació en Lausanne en 1980. </em></span><br /><br /><span style="font-family:courier new;"><em>Vive y trabaja en Zurich.</em></span><br /><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">En ocasiones, uno se topa con artistas en los que el talento parece surgir de manera natural, espontánea, sin esfuerzo. Quizás detrás de esa imagen haya años de formación, búsqueda estética, experimentación, ensayo-error o tentativas frustradas, pero estos elegidos parecen haber dejado muy atrás esas etapas, y surgen a nosotros seguros, brillantes, con la magnífica insolencia que en un artista da la juventud. <strong>Lukas Beyeler</strong>, si no es ya una de esas figuras, parece destinado a serlo. Nacido en Lausanne (Suiza) en 1980, se graduó en Artes Visuales en la École Cantonale d'Art de Lausanne (ECAL), donde su proyecto de fin de carrera fue galardonado con el Premio de la Fundación Ernest Manganel 2005. Desde entonces vive en <strong>Zurich</strong>, y sus obras han sido expuestas en París, Zurich, Viena o Ciudad del Cabo.<br /><br />Arte híbrido (como lo definió admirativamente su compatriota John Armleder) y sorprendente, <strong>las obras de Beyeler sugieren una conexión y una relativización de la distancia entre el arte contemporáneo y la cultura popular</strong>. Su medio natural es el video y la instalación, y su estética bebe del pop, el manga, el videoclip, los videojuegos o el kitsch. La diferencia con otros artistas (por ejemplo el estéticamente cercano Martín Sastre) se basa en que Beyeler no adopta formatos pop como la fotografía publicitaria o el videoclip, sino que integra esa estética en medios de expresión puramente artísticos, como el vídeo en bucle. Es en la repetición de rituales donde Beyeler sitúa la trascendencia de una estética visual que podría resultar trivial. En <strong>Versailles no bara</strong>, tomando como pretexto un manga japonés ambientado en la Francia prerrevolucionaria, Beyeler sitúa ante una imagen fija del Palacio de Versalles una duplicación de sí mismo que se cuenta una y otra vez un inquietante secreto. <strong>Hit Machine</strong>, de 2003, convierte un coche patrulla en una especie de performance discotequera. <strong>Nugasé! Panik Mahjong</strong> plantea un enfrentamiento estratégico y sexual en torno a una mesa de Mahjong.</span><span style="font-family:courier new;"><br /></div></span><div align="justify"><br /><br /></div><p align="justify"><span style="font-family:courier new;"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://www.lukasbeyeler.com/images/majhong/1.jpg" border="0" /><br />Una de sus obras más recientes, ‘<strong>Heidi oh~!”,</strong> crea una situación a medio camino entre la realidad virtual, el subconsciente y la realización de la fantasía a través de la tecnología. También la posibilidad de la existencia en un espacio meramente visual e interactivo es la base de <strong>Gita-o-hiku Rhythm Battle.</strong> </span><br /><br /></p><p align="justify"><span style="font-family:courier new;"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://www.lukasbeyeler.com/images/heidi.jpg" border="0" /><br />En otras ocasiones (<strong>Empty Dreams</strong>), construye una estancia que elimina la noción de espacio a través de la repetición de un elemento fotocopiado. A través de todo ello, Beyeler reflexiona sobre <strong>la trascendencia de un lenguaje pretendidamente vacuo</strong>, sobre la necesidad del entretenimiento como medio de afirmación y búsqueda de la identidad y, en última instancia, sobre las transformaciones que actualmente vive el mundo del arte. En medio de nuevos proyectos, Lukas Beyeler ha encontrado un rato para contestar a nuestro cuestionario.<br /><br /><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://www.lukasbeyeler.com/images/generale1.jpg" border="0" /></span></p><div align="justify"><br /><br /></div><p align="justify"><strong><span style="font-family:courier new;color:#ff0000;">CUESTIONARIO </span></strong><br /></p><p align="justify"><br /><strong><span style="font-family:courier new;">Tu trabajo está lleno de referencias a los videojuegos, el cómic, el pop... ¿Cuál es la relación entre “alta cultura” (tu trabajo, el arte) y la cultura del ocio y el entretenimiento de masas?</span></strong></p><p align="justify"><strong><span style="font-family:Courier New;"></span></strong><strong><br /></strong><span style="font-family:courier new;">En principio yo pienso que “la masa” sólo se interesa por la cultura de masas, del ocio, de la diversión, etc. Por otro lado, la alta cultura desprecia esta misma cultura situándose en un nivel que se define como “superior”. Sin embargo, con el tiempo, siempre llega un momento en el que la cultura de masas pasa al otro lado de la barrera y se convierte en algo que todos consideran “Cultura”. En un primer momento, yo me pregunto si ya se puede hablar de “cultura de la diversión”, si este término existe realmente, y cómo puedo yo emplearlo en mis propios trabajos. No creo que el Arte sea hoy tan elitista como antes, pero ¿es el arte quien se abre a la masa o bien la masa quien por iniciativa propia se abre al arte? Este último año, cuando pasé por la Art-Basel, debo confesarte que tuve realmente la impresión de encontrarme en un parque temático. Puede que el museo de arte contemporáneo esté en proceso de convertirse en un micro-Disneyland. A través del arte, yo no reflexiono obsesivamente acerca de esta dicotomía, y de hecho me inspiro en ambos. La cultura de masas es simplemente un tema recurrente para mí. Al fin y al cabo, todos somos parte de ella. </span><br /></p><p align="justify"><span style="font-family:courier new;"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://www.lukasbeyeler.com/images/heidi/heidip2.jpg" border="0" /><br /><strong></strong></span></p><div align="justify"><br /></div><p align="justify"><span style="font-family:courier new;"><strong>¿Hay un elemento específicamente suizo en tus obras? ¿Cómo lo relacionas, en el caso de que lo haya, con la cultura oriental en general, y japonesa en particular, muy importante en tus obras?</strong></span></p><p align="justify"><span style="font-family:courier new;">No creo que haya elementos “suizos” en mis trabajos, aparte del video ‘Heidi oh~!, donde lo que precisamente hago es hablar de Suiza y de todos sus clichés. Japón siempre me ha inspirado, y ha sido así desde mi infancia. Por supuesto, ha habido una gran influencia de toda la maquinaria japonesa que se emitía en la televisión de los años 80-90, pero al fin y al cabo, ¿hay algo más inspirador que Japón a la hora de ilustrar la cultura de masas? La relación entre Suiza y Japón es un espejo que refleja a la vez lo que me inspira y lo que yo mismo soy. Los trabajos salen como salen, no controlas todos los elementos que te influyen, simplemente están ahí, a tu lado sin que te des cuenta.<br /><br /><br /><strong>He observado que el cuerpo (tu cuerpo, el de los modelos, el de los actores) desempeña un papel muy importante en tu arte y en tu imaginario. ¿Esto podría considerarse como una cuestión de narcisismo, erotismo, o simplemente la búsqueda de lo humano y lo orgánico frente a la tecnología?</strong></span><strong> </strong></p><div align="justify"><span style="font-family:courier new;">Para decirte la verdad, yo creo que una obra sin un sujeto humano, una representación del hombre o un personaje no me provoca tanta emoción. No hay nada narcisista en ponerse en escena, en utilizarse o utilizar el propio cuerpo de una manera muy lógica y directa para transmitir a los otros lo que hay en ti. La palabra “erótico” me da mucha pereza, encuentro que hablar de “arte erótico” es peyorativo, simplista y reduccionista.<br /></span><br /><br /></div><p align="justify"><span style="font-family:courier new;"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://www.lukasbeyeler.com/images/mahjong-special2.jpg" border="0" /><br /><strong>¿Cuáles son tus referencias artísticas, culturales y visuales?</strong></span></p><p align="justify"><span style="font-family:courier new;">En lo que se refiere al arte contemporáneo, artistas como Yagi Noda, Mariko Mori, John Armleder me fascinan. Pero como no hago arte autorreferencial, mi inspiración procede de la vida cotidiana, y no esencialmente de lo que encuentro en los museos. El arte en general me inspira, pero me inspiran más las personas que hay a mi alrededor.<br /><br /><strong>¿Qué opinas acerca del sistema artístico de hoy en día? ¿Es sencillo para un artista como tú vender tus obras en este mercado?</strong></span><strong><span style="font-family:Courier New;"></span></strong><strong><br /><br /></strong><span style="font-family:courier new;">No, en realidad no es nada sencillo, no conozco a demasiados artistas de mi edad que vivan esencialmente de su arte. Yo tampoco puedo tener la pretensión –ni la suerte- de decir eso. ¡Puedo asegurarte que vender un video en una galería no es el medio más rápido si quieres ganar dinero! A eso hay que añadir, además, que el mercado del arte no te acoge con los brazos abiertos. Es un medio bastante cerrado que se auto reafirma apostando por valores seguros. No son los de más talento los que triunfan, pero una vez que has entrado en el circuito, todos te quieren y todo puede ir extremadamente rápido. Esto me recuerda a esa canción de Marilyn Manson, “The Dope Show”, ¿recuerdas?: They love you when you’re on all the covers, when you’re not they love another”. Es tan sencillo como cualquier otro negocio, el arte contemporáneo no escapa a la “starificación”</span><br /></p><span style="font-family:courier new;"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://www.lukasbeyeler.com/images/works/Versailles-no-bara.jpg" border="0" /></span><br /><span style="font-family:courier new;"><br /><strong>¿Por qué empleas el video y la instalación? ¿piensas seguir ese camino?</strong></span><br /><strong><span style="font-family:Courier New;"></span></strong><strong><br /></strong><span style="font-family:courier new;">Utilizo el video porque, junto a la fotografía, es el medio que más me dice. Creo que el video es verdaderamente algo de mi generación, próximo a nuestro tiempo, próximo a la tecnología, pero también cercano a la televisión y, por tanto, a la masa. Por ejemplo, adoro la pintura, me fascina y me inspira enormemente, pero viendo un cuadro inmediatamente imagino un video en mi cabeza. Y no pidas que pinte un lienzo, porque el resultado me frustraría enormemente. En realidad, tú no eliges el medio sobre el que te expresas, estas cosas surgen naturalmente y cada uno tiene un medio en el que se expresa mejor. Poco importa si se trata del sonido, la danza, la pintura o la escritura, lo importante es que salga, ¿no?<br /></span><br /><br /><p align="justify"><img style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://a568.ac-images.myspacecdn.com/images01/94/l_9af05a22ef9ccad5f69fd43470d0def7.jpg" border="0" /><br /><strong><span style="font-family:courier new;">Háblanos acerca de tus próximos proyectos...</span></strong></p><p align="justify"><span style="font-family:courier new;">¿Sabes?, la estética y las temáticas de mis trabajos se repiten mucho en mi caso, y de hecho en ocasiones tengo la impresión de trabajar siempre sobre los mismos proyectos una y otra vez. En este momento preparo una edición, una especie de libro con fotos y textos. También he comenzado a filmar a las prostitutas que viven bajo el sitio en que vivo, me gusta el lado espontáneo de las escenas de su vida. Esto quizás dé lugar a una especie de corto documental.</span></p><span style="font-family:courier new;"><br /></span><a href="http://www.lukasbeyeler.com/images/install-versailles.jpg"></a><span style="font-family:courier new;"><blockquote><span style="font-family:courier new;"><br /><p>+ info:<br /></p><p><a href="http://www.lukasbeyeler.com/">http://www.lukasbeyeler.com/</a></p><p><a href="http://www.myspace.com/lukas_lux">http://www.myspace.com/lukas_lux</a></p><p> </p></span></blockquote></span>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-64475063668439450442008-09-01T15:01:00.000-07:002008-09-09T16:30:20.589-07:00FERNANDO LIMBERGER<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXjj9JzoWfOW2mpSYYX72ndQYyEw30a3jcp4U2jFXBEFIseFAq_CnIlwoDA-qndubF2jJcuDWgkrlRMegf9ie9JCONPxn3zW9Yl2S2zYL7PmN_sAs3GirraTYOwP1NaE2sfUvzMf9NMQfX/s1600-h/limb1.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5241178135058723586" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXjj9JzoWfOW2mpSYYX72ndQYyEw30a3jcp4U2jFXBEFIseFAq_CnIlwoDA-qndubF2jJcuDWgkrlRMegf9ie9JCONPxn3zW9Yl2S2zYL7PmN_sAs3GirraTYOwP1NaE2sfUvzMf9NMQfX/s400/limb1.jpg" border="0" /></a><span style="font-size:85%;"><em><br /></em></span><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><em>Brasileño.</em></span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><em>Nació en Santa Cruz do Sul. </em></span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><em>Vive y trabaja en Sao Paulo.</em><br /><br />La obra de Fernando Limberger es uno de esos trabajos de ardua catalogación para un crítico de arte. No son instalaciones, ya que no se realizan en galerías de arte, ni intervenciones, porque su objetivo es integrarse en la cotidianeidad. Si ignoráramos su evidente voluntad artística, Limberger podría ser un <strong>paisajista</strong>, un diseñador de jardines, de conjuntos vegetales, de paisajes. Altera espacios públicos a través de modificaciones (cambiar el color de la arena, introducir pequeños objetos) que cumplen una función de aviso, que <strong>llaman la atención sobre lugares que normalmente pasarían desapercibidos</strong>. El resultado es algo parecido a un juego, una especie de metamorfosis en la que lo insólito y lo natural se funden para recordar que <strong>cualquier elemento, cualquier espacio es mejorable a través del arte.</strong><br /></div></span><br /><br /><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5241528417521129474" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjugMU2unF3gEpm9UDFJYsuteCcy0U8QMPcGC0M0NqYES5dW81nmTmrkm8pcIaYoujHOPpuN9MKEPPSp7QN1w5zWallAmaWu9_PfrgLj4aiHd0S0L9j73XCSt18r8mRDHmp1TeNusTJqVVm/s400/jardim" border="0" /><br /><div align="justify"><br /><span style="font-family:courier new;">Fernando Limberger ha participado en distintos proyectos consistentes en la alteración de espacios públicos, algunos tan significativos como <strong>Arte Construto</strong>ra, en Sao Paulo, o <strong>Um Jardim para o Jardim Miriam</strong>. Es responsable de algunos de los rincones más interesantes de las grandes urbes brasileñas y, ahora, prepara dos nuevos proyectos.<br /><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5241177195794432786" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXFKLor9k6grH3uuoub_B4w0hg5smaId3CDV8MVEWuPM8Loyn6GOKjfMKT31TQNE-9WjGtPo_ZEs1fTeF1K3M38iSWhkAWgXNBpPwGH_MJAP8KslXSpRQd6PDIhoV3MjYIRoAEyJMwaoDv/s400/limb4.jpg" border="0" /><br />El primero es un proyecto temporal en el Centro Cultural Sao Paulo, espacio público mantenido por el Estado, que tiene un jardín interior abierto en medio del edificio, con árboles y arbustos crecidos. Este jardín fue hecho a partir de los patios de las casas que existían allí antes de la construcción del Centro Cultural. Estos patios fueron mantenidos y remodelados con plantas, formando un conjunto de densa vegetación que, por su oscuridad, parece una mata tropical. En este espacio de 33m2, Fernando colocará una capa de <strong>arena amarilla-dorada</strong>, contando con que la vegetación crezca a partir de esa superficie amarilla, y aportando algo de luminosidad al jardín. Este trabajo se llamará Verde Amarelo, en referencia a los colores de la bandera brasileña, y permanecerá durante un año. </span></div><span style="font-family:courier new;"><br /><div align="justify"><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5241177198662725730" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVd1lo864pFrHLST6VaLh9IRLYc5TpZAnj2u8XDlhH3OnkO2J6FEcXVNAzU7Vbngh8itdXNDBtGdQrmtSKcMJzWb70LK5yOLr7qergl9iD1dsz51_dX3Q2-W1KtjjSNDz2gMVyFNsJCchG/s400/limb3.jpg" border="0" /><br />Además, actualmente esta involucrado en un proyecto permanente, en un espacio privado, en colaboración con Héctor Zamora, artista mexicano radicado también en Sao Paulo. Se trata de un trabajo de transformación de una residencia en espacios múltiples para alquiler. El proyecto arquitectónico fue desarrollado por Hector, y Fernando Limberger está creando los espacios comunes, los <strong>jardines de convivencia</strong>. El proyecto consiste en una serie de estructuras poco convencionales para la plantación y crecimiento de las especies escogidas.<br /><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5241177194586405842" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS8eRUctGmPiRCPI-MXAw-_lnUA4wrpkaqi2Xn09AVkF3hHKglseut57_WUbc6_-yupbIHEB948HF-etkRNqB-LV5B3wUmoR_59RRr8Ek85dXF3hVb2rhhIPg537RSyCuTMqHPY58cMrT9/s400/limb2.jpg" border="0" /> </span><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:courier new;"><strong><span style="color:#ff0000;">CUESTIONARIO</span></strong><br /><br /><strong>¿Por qué empleas el jardín y el paisaje como motivos en tu obra artística?<br /></strong><br />La naturaleza y el paisaje siempre fueron los asuntos principales de mi trabajo. Inicialmente llevaba a cabo trabajos que se referían a estas situaciones, a través de la construcción de esculturas, pinturas, dibujos y objetos que podían representar un árbol, un río, un cielo, un paisaje o cualquier otra forma fuertemente ligada a la naturaleza. Más tarde, pasé a hacer instalaciones, los motivos eran los mismos, paisaje natural y paisaje construido por el hombre. En los últimos quince años pasé a intervenir directamente sobre ese paisaje, urbano o rural, creando situaciones de extrañamiento para esos lugares. Mi intención es volver esos lugares más visibles, a través de la colocación de elementos ordinarios y extraños a la vez. También me interesa que esas acciones susciten algún tipo de reflexión acerca de los lugares escogidos.<br /><br /><strong>En tu obra, ¿cuál es la relación entre arte y urbanismo? ¿Haces arte para las galerías o para las personas?</strong> </span></div><span style="font-family:courier new;"><br /><div align="justify"><br />Mi trabajo se realiza a través del contacto directo con las personas, y por eso prefiero trabajar en lugares sin el filtro que impone una institución o galería, aunque no sean un elemento restrictivo. Escojo los lugares por sus propias características, que tienen relación con el aspecto visual que encuentro, y que muchas veces proceden de su historia. Intento, siempre que sea posible, colocarlos en zonas de circulación de personas, para que la aproximación del público se dé de manera espontánea, sin la formalidad de un espacio expositivo.<br /><br /><strong>¿Cuál es el sentido de introducir objetos en la naturaleza?<br /></strong>Quiero, con la introducción de elementos en el paisaje, motivar a las personas a observar esos lugares que son, en cierta forma, cotidianos, y hacerlas ver otras formas de aproximarse y hacer uso de lugares que, muchas veces, a pesar de ser familiares, pasan desapercibidos.<br /></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"><br /><blockquote></blockquote><br /><blockquote><br /><div align="justify">+ info: <a href="http://fernandolimberger.slide.com/">http://fernandolimberger.slide.com/</a><br /></div></blockquote></div></span>Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3105401830789384984.post-72926881865887535142008-07-03T07:55:00.000-07:002008-07-03T08:11:25.142-07:00InauguraciónMe llamo Carlos Primo, nací en 1984 y soy periodista. Aunque he trabajado y colaborado en distintos medios con temáticas muy dispares, mi intención es dirigir mi carrera hacia el mundo editorial y artístico: arte y escritura son, probablemente, las dos cosas que más me interesan. De ahí la idea de este blog: descubrir y difundir propuestas artísticas nuevas, inéditas o poco conocidas. Internet ofrece grandes posibilidades para mentes inquietas y aburridas; probablemente de este modo hayas encontrado mi blog. Ahora sólo espero que te quedes.<br /><br />El título lo tomo prestado del citadísimo Charles Baudelaire, que un día escribió un libro con este nombre en el que proponía un arte reflejo de su tiempo. Todo arte, como escribió Kandinsky, es hijo de su época. Por ello, hablar de arte y de contemporaneidad puede parecer redundante. El Altes Museum de Berlín mostraba en su fachada, cuando fui a verlo, un fantástico neón rojo de Maurizio Nannucci que rezaba "All Art Has Always Been Contemporary". Arte actual, arte del presente, arte contemporáneo o arte a secas, todo tiene cabida aquí: la pintura, la fotografía, la moda, el diseño, la arquitectura o cualquier otra cosa de la que su autor pueda decir: esto es arte.<br /><br />Del mismo modo, estoy abierto a que cualquiera que aprecie este trabajo cuente conmigo para proyectos de cualquier tipo. Y a que dejéis vuestros comentarios.Carloshttp://www.blogger.com/profile/16486207845587795925noreply@blogger.com1