JOSÉ ANTONIO VALLEJO (MORIBUNDO POR EL ARTE)

Muñeco de peluche

Entré en contacto con José Antonio Vallejo Serrano a través de un amigo común que me recomendó entrar en su myspace. Me encontré, de repente, con una profusión de imágenes que no eran, en ningún caso, las de un amateur. Plasmados en un formato tan engañosamente provisional como el dibujo, sus motivos bebían de la ilustración infantil, el surrealismo o lo gótico (desde la óptica romántica, se entiende) sin que estas influencias ocultaran lo que, en mi opinión, es más esencial en su obra: lo autobiográfico, la corporeidad y lo onírico se alían para alejarse de un arte autorreferencial o lúdico y entrar en el siempre problemático terreno de lo personal, de la expresión artística como pensamiento íntimo.

Aislado

A través de sus dibujos, Moribundo por el Arte (es éste el nombre que ha adoptado como alias, como avatar de guerra) habla, sobre todo, de sí mismo. La incomunicación, el aislamiento, la frustración, el amor, el sexo o la búsqueda incesante de una memoria varada entre el edén de la infancia y las dolorosas reminiscencias de la fiebre son temas que Vallejo trata a través de trazos deliberadamente ingenuos que combinan distintas influencias e intenciones. El rasgo definitivo de su poética podría ser, viendo sus imágenes, un depurado empleo de determinados símbolos (las mangas interminables, un oso de peluche, un cuerpo humano vestido, intervenido y yuxtapuesto según el tema de la obra) que lo acercan al surrealismo (Tanguy) y al arte instintivo. También es notorio el uso que hace del material plástico (el lápiz, los colores, la pintura, el papel) lacerando, inundando e imponiéndose a la superficie en un modo que recuerda a Dubuffet. De todos modos, todas las referencias que quieran darse pueden ser revelaciones o simplemente imposturas. Lo único incuestionable es que nos hallamos ante un jovencísimo talento, un artista del que se hablará (al menos, nosotros lo haremos) en el futuro. De momento, ha respondido al cuestionario de El Pintor de la Vida Moderna, y me cuenta que el espacio Mushotoku (Santa Bárbara, 8) acoge una muestra de algunos de sus dibujos sobre bailarinas de baile Butoh.

Incomunicación

Chaqueta con desamor

CUESTIONARIO

Ilustración, diseño, pintura, fotografía... ¿Con qué disciplina te identificas más y por qué? ¿Qué te ofrece una en concreto o el conjunto de todas?

Me identifico con el dibujo. Hay una creencia sobre los artistas que elaboramos nuestra obra con técnicas tradicionales dibujísticas y es que elaboramos ilustraciones. Una ilustración adorna o documenta, pero mis dibujos aunque se pueden interpretar como documentación de mi experiencia vital, son obras que se mantienen por sí mismas sin necesariamente el apoyo de mi concepto.

El dibujo es algo fantástico porque es libre e inmediato, siempre pongo el ejemplo de que con sólo un lápiz al trazar una línea horizontal ya estoy creando un mundo nuevo, un trazo que separa un cielo y una tierra, de golpe un universo con sólo un movimiento de la mano.

Diálogo

¿Hasta qué punto tu obra está protagonizada por tu propia figura y tus experiencias? (principalmente en las fotografías y en los títulos, casi narcisistas, de algunas de tus ilustraciones). ¿Por qué elegir el oso de trapo como máscara?

Es interesante porque es algo que mucha gente no entiende sobre mi obra. Todas las imágenes que creo están sacadas primero formalmente de muchas fotografías autorretratos y luego de experiencias que extrapolo del ámbito personal al de mi producción. Así te puedo responder que mi obra está por entero protagonizada por mi figura a no ser que te dibuje un teléfono o una mujer y, que a pesar de que el producto sea un cuerpo femenino, estaré plasmando mi experiencia en él, en su gesto o la manera de realizarlo. Es una manera de crear que parte de lo íntimo que es lo que conozco a duras penas, no entiendo otra.

El oso tiene parte de anécdota y parte íntima. Yo estaba pasando por un proceso de ruptura y analizaba mis sentimientos de ese momento. Pensaba en la metáfora del muñeco usado y desechado, de cómo abandonamos lo que hemos querido por algo nuevo o porque se rompe... Por casualidad pasamos delante de un escaparate de una tienda de moda muy conocida y los maniquíes llevaban estas cabezas. Al instante encajé todas las piezas, supe que debía comprar las máscaras de oso y así lo hice. Fue la primera vez que trabajé con la idea del muñeco y me gustó, hice una serie de fotos y cuatro dibujos.

Ropa interior

-En tu obra hay varios elementos (el oso de juguete, el tono de algunas ilustraciones) que remiten a las ilustraciones infantiles. ¿Es la ilustración de cuentos una fuente de inspiración y de modernidad hoy en día? ¿Cómo se puede romper la barrera tradicionalmente existente en este género? ¿Quizás hay algo de naif-macabro en tus dibujos?

Es cierto que las ilustraciones de los cuentos influyen de manera clara y directa en mi obra, es una fuente de inspiración maravillosa con dibujos de Beatriz Potter sublimes y cosas como los cuentos de calleja que mi madre guardaba por los cajones del salón. Sobre la modernidad no me gusta utilizar esa palabra porque es como decirla y ya ha pasado de moda, simplemente entiendo que siempre han sido referentes tanto en el dibujo moderno como en el de hace veinte años o diez... Pero ahora llama mucho más la atención porque lo que sucede es que los artistas explican con ese modo infantil problemas muy adultos, problemas de alarma social como la pederastia, el maltrato o la drogadicción.

Sobre lo naif y lo macabro es obvio que intento imprimir algo así en casi todo lo que hago. Mis dibujos no son amables, no te cuentan generalmente una historia bonita ni un hecho feliz. Son cosas que me hacen sufrir pero que no sé explicar de otro modo más que con este lenguaje de niño, ello me libera y me ayuda a comprender lo que me rodea. La palabra más exacta para referirte a ello y que usó Juliao Sarmento para referirse a mi obra es siniestro.

Desorden personal

Uno de los elementos más interesantes me parece el símbolo de las mangas interminables que, al contrario de lo esperable, aíslan a unos personajes de otros. ¿Por qué esta elección?

En tercero de carrera junto a mi profesor Antonio Rabazas realicé los primeros dibujos sobre brazos. Al principio eran una herramienta para conseguir alcanzar objetos lejanos o abarcar grandes cosas, una suerte de prótesis aumentativa para expresar unos sentimientos o lograr unas metas. En cuarto ya había trabajado la idea del muñeco con la serie del oso, pero recordé que en Barrio Sésamo, las marionetas normalmente poseían unos brazos enormes movidos por unas varillas y me hizo gracia la idea, que fuese tan sencillo. Los brazos de estas marionetas son de tela y se mueven si alguien los maneja (así dibujo las varillas en las primeras ilustraciones de la chaqueta) pero por sí solos no tienen control, son puro trapo. Me gusta la similitud con una camisa de fuerza, así el primer dibujo se llamaba “Chaqueta Marioneta” y el segundo, cuando se alarga se llamó “Chaqueta Marioneta se vuelve loca”. Esa locura me fascina, los personajes andan en ese limbo, buscando, intentando hallar algo que no llega o que aunque tengan cerca, la inestabilidad de sus miembros les hace incapaces de asir.

Persecución

Homme-Maison

¿Cuáles son tus influencias estéticas más importantes? ¿Te inspiras en el arte contemporáneo? Lo digo porque hay algunas obras claramente autorreferenciales, como las de "esencias" de artistas.

Hubo una vez que listé todos los artistas que me han influido de algún modo u otro. Me dejé alguno en el tintero pero llegué a poner hasta sesenta y dos artistas en aquel escrito. De manera muy clara me impresionan Kiki Smith, Rebecca Horn o Louise Bougeois a las que tuve que estudiar por encargos de trabajos en la facultad. Otro muy importante es Jaume Plensa... Me gusta sobre todo la obra de mujeres artistas.

Esencia de Beuys

Esencia de Bourgeois

¿Cuál es la perspectiva comercial y profesional (en términos de carrera, ventas) de un artista de tu tipo? ¿Cómo ves el arte en España hoy?

La perspectiva comercial no es mala, sobre todo si te mueves de una manera ágil en el mundo de las relaciones interpersonales. Debes ser un buen relaciones públicas y saber venderte siendo elegante y fiel a unos principios. Juan José Gómez-Molina siempre nos aconsejó que no subiéramos al tren de la moda porque es un tren que pasa rápido y no puede coger todo el mundo. Él aconsejaba serte fiel principalmente y esperar a que pasase el tren por tu parada y siendo así te aseguro que se abren puertas. Hay que ser constante, fiel y presentarte a todos los concursos que se te pongan por delante. El arte ahora en España tiene muchos medios para darte a conocer pero tienes que estar al tanto en páginas oficiales y apuntarte a newsletters de páginas especializadas o galerías. Yo acabo de ser seleccionado en la feria internacional de arte Ingráfica que se celebrará en Noviembre en Cuenca y hay muchas más cosas cada día. Las generaciones de artistas si que deben dejar paso a un relevo generacional que está pidiendo un sitio y el arte está ahora mismo en este proceso de cambio.

Estudié mientras dormías

¿Me equivoco si advierto en tu obra una gran presencia de elementos referentes a lo sexual? ¿Por qué crees que hoy hay tantos artistas que la comparten?

Hay menos referencias sexuales de las que muchas veces planeo. Siempre me atrajo dibujar gente desnuda o gente follando pero nunca he conseguido ponerme con ello. Si existen esos elementos sexuales como habrás podido comprobar están infantilizados o no son del todo conscientes. Me gusta remarcar la boca, simular besos... La sexualidad forma parte muy importante de mí y tiene su lugar en el proyecto sobre los muñecos con el muñeco hinchable que aún no he llegado a desarrollar. El sexo está en todo y en todos, las imágenes publicitarias, el pop, las venus con paños mojados... ¡Claro que la comparten otros artistas! Yo creo que casi todos los artistas lo comparten o quizá es una percepción mía, no te sé explicar la razón.

Hombre botella

+info: http://www.myspace.com/moribundoporelarte

HARVEY RAYNER

Británico

Artista digital

Hace tiempo estuve haciendo un trabajo acerca de la escritura experimental practicada en el Ouvroir de Littérature Potentielle (OuLiPo), un taller literario que, en las décadas de los años sesenta y setenta, revolucionó la vida cultural francesa a través de un ejercicio artístico en el que las formas lo eran todo. La adopción de complicadísimas constricciones formales (métricas, matemáticas, arbitrarias) dieron como resultado obras sorprendentes en las que la imaginación se vio obligar a buscar su camino entre los rígidos corsés de la formalidad. Algo parecido sugiere la obra del artista británico Harvey Rayner. Mediante la adopción de un lenguaje en principio frío (el de las matemáticas, la geometría)surgido de su propia invención, y que ha bautizado como "Root2Art", logra imágenes enormemente rotundas. Como él.

Outsider profesional (de hecho, trabaja en una fábrica puesto que su obra no le permite subsistir), este diseñador ha logrado hacerse un hueco entre la heterodoxa comunidad cibernética. Sus sucesivas webs son un éxito de visitas, sus imágenes despiertan admiración y, en el fondo, no importa tanto (ni a él ni a nosotros) que las instancias del arte oficial no hayan mostrado demasiado interés por él. Sus palabras revelan a un hombre con sentido del humor, capacidad de autocrítica y un notable optimismo que, quizás, extraiga del Zazen, método de meditación oriental que practica con asiduidad y del que extrae inspiración para sus obras.

Harvey Rayner se dedica al arte digital. A través de programas informáticos de ilustración, crea imágenes basadas en la complejidad de las formas geométricas. La inspiración oriental se manifiesta en formas cercanas a las mandalas y a los patrones intrincadamente enrevesados de la ornamentación asiática. La ausencia de un referente real, la carencia casi absoluta de figurativismo aproximan sus obras a la construcción de paraísos artificiales, de vías de escape un poco new age y de serenidad ultraterrena. Su mejor galería, su escaparate idóneo, es su página web, que os invito a leer y a disfrutar. Después, podéis regresar aquí y leer las muy generosas respuestas que ha dado a nuestras preguntas.

CUESTIONARIO

¿Cómo empezaste a crear obras inspiradas y basadas en las matemáticas? ¿Alguna vez te han acusado de hacer un arte frío?

En mi trabajo, la geometría no está ahí como una estructura subyacente que organiza un lenguaje artístico adicional e independiente, sino que es el verdadero material de la obra. Mi elección de emplear familias específicas de relaciones geométricas se debe a una voluntad de limitar mis opciones. Esto quiere decir limitar mis opciones en términos de dónde y cómo puedo crear un elemento en relación con otro y con la obra completa. En poesía y música, lo llamamos "métrica". La métrica en el arte es tan antigua como el arte mismo. De hecho, todo artista, consciente o inconscientemente, crea metros en su obra, y es esto lo que determina el estilo de un artista frente a otro. Por ejemplo, Picasso, en una época, limitó su paleta a los azules y, frente a la riqueza de colores disponible, esto le dio la libertad artística necesaria para expresar algo de manera muy precisa. Creo que la limitación no es más que una condición necesaria para la expresión creativa, y lo que da fuerza a esa expresión es la invención y variedad que el artista halla dentro de esos límites. Por supuesto, esto no es nada nuevo. Los antiguos griegos hablaban de lo mismo en términos de "variedad dentro de la unidad". En el Zen, tenemos el "todo en uno: uno en todo". De hecho, en el Zen es toda la realidad la que es así, no sólo el arte.

Trabajas con figuras geométricas, pero ¿cuáles son tus otras influencias e inspiraciones estéticas o éticas? Porque tus imágenes son complejas e interesantes, pero también muy hermosas.

Creo que nuestros intereses y personalidades encuentran inevitablemente su camino a través de las obras y las actividades creativas. En mi caso, mis intereses son muy amplios: tecnología, arquitectura, matemáticas, ingeniería y, por supuesto, el arte y el diseño es su más amplia expresión. Quizás el elemento más influyente en mi trabajo es la práctica del Zazen, que es meditación Zen en una postura determinada, la del loto. A través de esta práctica estoy aprendiendo a respirar con mis globos oculares y ver con el abdomen. Ésta es la habilidad más importante para cualquier artista. Sin esto, el artista no puede crear algo original.

¿Por qué creas imágenes en blanco y negro? ¿tiene algo que ver con el minimalismo?

Mi utilización de una paleta de escala de grises tiene que ver, de nuevo, con la limitación y la métrica. De hecho, durante los primeros años en que desarrollé el canon de trabajo "Root2Art", sólo empleaba tres tonos: blanco, negro y un gris intermedio. Una amplia mayoría de mi obra más reciente sólo usa cinco o siete tonos.

En ocasiones, cuando me cuesta resolver una obra, empleo color, pero una vez veo claro el modo en que quiero que funcione la estructura, entonces soy capaz de definir la pieza en monocromos. Introducir color en mi obra sería como tocar una obra musical compuesta para piano con una orquesta entera. La orquesta aportaría una cierta riqueza y complejidad, pero también, en la mayoría de los casos, a costa de la claridad estructural. Para mí, el objetivo es revelar precisa y claramente la invención compositiva de una obra, y creo que el resultado es mejor sin la distracción del color. Podemos reducir el color a una estructura tonal monocromática, pero no viceversa.

Recuerdo claramente, hace más o menos diez años, ver un guijarro en la playa y pensar –"¿Cómo podría crear algo que añada algo a la infinita complejidad y riqueza de la naturaleza? Incluso en la superficie de este guijarro hay una textura maravillosamente sutil y una infinita variedad de color. Si voy a hacer algo que sea una contribución genuina a la diversidad visual del mundo, entonces sería inútil tratar de vencer a la naturaleza en su propio campo". Emplear una paleta limitada cromáticamente y eliminar toda textura también tiene que ver, por tanto, con desprenderme de los aspectos más sensuales del arte, simplemente porque esto es algo que siempre puede ser hallado en la abundancia desatada de la naturaleza.

Respecto al minimalismo, no sé lo que es. Los 'ismos' son en verdad algo tan simple como la creación de los teóricos e historiadores del arte. Cuando situamos una obra de arte en una categoría, nos volvemos parcialmente ciegos ante ella. Si pensamos que entendemos lo es que una obra de arte, entonces ya la hemos perdido de vista. Yo, aquí y ahora, hablando acerca de mi propia obra, supone algo parecido. Soy mucho peor que cualquier historiador del arte. La gente cuyo trabajo es hablar de arte no sabe hacer nada mejor (bromeo).

Has trabajado en proyectos cercanos al diseño, creando, por ejemplo, un invernadero. ¿Estás interesado en la relación entre arte y vida cotidiana?

Cuando hago arte, se trata de mi vida cotidiana. Cuando estoy diseñando invernaderos, arreglando el coche, haciendo la cena, hablando con mis amigos o jugando con los niños, ninguna de estas actividades produce o requiere un estado mental distinto del necesario para hacer arte. Cuando estoy enteramente concentrado en lo que algo, esa actividad se convierte en creativa. La creatividad no es algo que extraiga de un determinado lugar y voluntariamente lo aplique a la elaboración de una obra de arte o a la resolución de un problema de diseño. Tal como yo lo veo, la resolución de un problema tiene que ver con ver el problema con claridad. Desde el momento en que miramos cualquier situación con todo nuestro cuerpo y toda nuestra mente, cuando estamos absolutamente presentes, entonces vemos que cada situación es única, y surgen naturalmente respuestas y soluciones adecuadas también únicas. Si estamos enteramente presentes en la vida diaria, entonces encontraremos habitualmente la capacidad para expresarnos creativamente en todas nuestras actividades cotidianas. Incluso cuando vamos al baño (bromeo).

¿Qué tipo de reacción muestran galerías y público ante tus obras? ¿te consideras un artista de éxito?

No sé qué tipo de respuesta obtendría de las galerías comerciales si llevara mi obra a cualquiera de ellas. Desistí de intentar encontrar una galería que representara mi obra hace más o menos cinco años. La reacción habitual solía ser la de afirmar que mi obra era en cierto modo algo distinto al arte. Siempre alegaban el paralelismo con el diseño gráfico, pero la relación de mis obras con algo más significativo parecía no ser evidente. No es de extrañar que no haya sido capaz de colocar mi obra en una galería notable, porque al fin y al cabo estos sitios existen para ganar dinero a pesar de su interés por mostrar nuevas obras. Si cualquier arte es inmediatamente reconocible como contemporáneo, entonces su lenguaje debe ser ampliamente accesible a través de la cultura visual. Cuando una obra no refleja sencillamente, sino que crea un lenguaje visual verdaderamente nuevo, entonces debemos esperar que no sea reconocible instantáneamente, ni siquiera como arte. Si algo no es visto como arte, ¿cómo vas a venderlo en una galería?

Respecto al éxito, ¿cómo lo cuantificamos? En términos convencionales, mi 'carrera' como artista es bastante desastrosa. En 15 años, nunca he sacado un dólar de ella, y soy todavía una entidad desconocida en el más amplio mundo del arte (offline). Mi presencia en la red es notable, pero no estoy seguro de qué parte de este porcentaje responde a mi obra. Es curioso, a veces me llegan emails de estudiantes que me preguntan cómo me convertí en un artista digital de éxito. Algunas personas asumen, viendo mi web, que me da para vivir de ello. Así que, a través de mi web, he conseguido crear, al menos, la impresión de éxito. Esto es gracioso, porque, para pagar las facturas, me dedico a la limpieza de torres de refrigeración industrial, que es un trabajo físicamente duro, húmedo y sucio. Es uno de los trabajos menos glamourosos que puedas imaginar.

Hasta ahora, he aprendido mucho de la vida: si damos importancia a las nociones abstractas de éxito, entonces también se la damos a la ausencia perceptible de éxito. Tanto el suceso como el fracaso no son más que ilusiones. La vida de un hombre que piensa que tiene éxito no siempre es feliz, y la vida de un hombre que se considera fracasado no siempre es triste. La vida de un hombre que no ve realidad en el éxito ni en el fracaso está más allá de la turbación (risas).

+info: http://root2art.co.uk/

HENRIQUE UNNO - IKERO

Brasileño

Vive y trabaja en São Paulo

Henrique Unno es diseñador e ilustrador. En 2002 completó su formación en diseño industrial con especialidad en programación visual en la Facultad de Artes Plásticas de la FAAP (Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo). En esa época, trabajaba como asistente artístico en un taller de modelado de juguetes donde permaneció hasta mediados de 2003. Aprendió allí distintas técnicas: modelado en arcilla, escultura en yeso, cera y pintura con aerógrafo. En 2006 terminó su postgrado en Comunicación, Arte y Tecnología. El tema de su monografía fue “Palabra e imagen – La ilustración en el contexto de la revista brasileña contemporánea”. Desde entonces, trabaja habitualmente con ilustración vectorial.

Lo primero que me llamó la atención de su obra fue el modo en que una técnica y una estética hoy comunes e, incluso, convencionales (la ilustración vectorial) toman un cauce distinto al habitual (figuras aisladas, icónicas, con cualidad casi de logotipo) a través de la construcción de espacios y contextos. Muestra de ello son las imágenes que reproducen, con una disposición estructural plenamente fotográfica, los puntos de visita obligados para todo turista por Europa o Estados Unidos. Los colores planos, la ausencia de líneas definidas, en resumen, todos los rasgos plenamente vectoriales aportan un aspecto naif, inocente y gozosamente pop. La eliminación de algunos elementos de los originales fotográficos contribuyen además a generar pequeños vacíos inquietantes (pienso, por ejemplo, en el porche que, en “The Rocks”, toma una apariencia ilógica, suspendido en el aire, hiriendo una superficie plana en la que la perspectiva se revela como un artificio clave).

En su recreación de la explanada del Louvre, por ejemplo, la imagen toma el aspecto de una maqueta, de un proyecto arquitectónico, con la diferencia de que esta ilustración ha sido tomada a partir del original, del espacio físico existente y terminado. Sugiere, quizás sin proponérselo, algunas cuestiones acerca de la importancia, en el diseño actual, de los proyectos irrealizables, de las imágenes que, al simplificarlo, idealizan un espacio imposible, generando una sensación similar a la irrealidad que produce la contemplación (confieso que es uno de mis ejercicios favoritos) de las maquetas de futuras promociones inmobiliarias.

También es necesario prestar atención, en estas imágenes, a la importancia de lo tecnológico como símbolo. Lo humano, apenas esbozado, está siempre complementado por la obsesiva presencia de dispositivos electrónicos, ipods, carteles luminosos y gadgets de todo tipo. En paisajes despojados de la presencia humana, estos aparatos implican la necesaria virtualidad de la vida contemporánea, la complementación de lo biológico con lo inorgánico, el mundo-cyborg, al fin y al cabo.

Una de las series más interesantes es la que, en un pequeño número de ilustraciones, muestra imágenes en blanco y negro de espacios decorativamente vanguardistas en los que la irrupción colorista y vital de la presencia humana surge, precisamente, de las pantallas de los dispositivos electrónicos. Esta paradoja (lo humano no está dentro sino fuera de la tecnología) me parece el mayor hallazgo de este artista. De todos modos, son apreciaciones personales. Veamos ahora lo que él mismo nos ha contado de su trabajo.



CUESTIONARIO

¿Diseñador o artista?

Por mi formación, soy diseñador, pero actualmente he trabajado más con la ilustración. Podría decir que soy un diseñador que ilustra. Lo que ocurre, la mayoría de las veces, es que aplico las teorías aprendidas en clase en las composiciones de mis trabajos: color, figura y fondo, fuerzas espaciales, contrastes, equilibrio de los elementos, peso, dirección, valores y tensiones del campo, estructuras perceptivas, etc. Respecto a la diferencia y relación entre artista y diseñador, es un asunto que encuentro delicado. Cualquiera que haga un curso de Photoshop e Illustrator se considera diseñador, y también hay quien se considera artista por pintar un cuadro sin haberse formado para ello. Éste fue, precisamente, uno de los temas de mi trabajo de postgrado:

“Al contrario de un artista plástico, la mayoría de los ilustradores escoge el trabajo primero y sólo después surge el arte, siguiendo un proceso de trabajo. Generalmente reciben una pauta del director de arte. Y esas cuestiones son los datos básicos que darán lugar a l a realización del trabajo, al contrario de los artistas plásticos, que toman como base sus propias ideas y emociones. Ese proceso también requiere pensamiento, observación, búsqueda y trabajo. El ilustrador, generalmente, trata de resolver un problema de comunicación visual para un cliente, y antes del proceso se establece un acuerdo entre ambos. La obra del artista se vende a un cliente dispuesto a pagar sólo después de su finalización. Por supuesto, hay casos de trabajo bajo pedido, pero en ese caso el proceso del artista es más parecido al del ilustrador.”

¿Qué buscas a través de la alteración digital de las imágenes?

Esta alteración no es más que una técnica de ilustración digital. La escogí para la mayoría de mis trabajos, pero no necesariamente me limito a ella. Cuando quiero detallar, prefiero los lápices. En el caso de las ilustraciones vectoriales, se trata de algo puramente estético. Mi objetivo es estilizar las imágenes y transmitir el máximo de información con el mínimo de detalles. Raramente empleo la sobra, el reflejo, los efectos de volumen... Los edificios se convierten en bloques, los paisajes se transforman en grupos de colores y las formas orgánicas se hacen geométricas. Otra característica es la ausencia de rostro en las figuras humanas. En mis composiciones siempre doy protagonismo al escenario, a los accesorios, a los objetos, y dejo a los personajes como complementos, casi en segundo plano.

Creo que la mayor belleza de tus obras reside en la construcción de un mundo referencial algo naif, con muchas referencias a las nuevas tecnologías y a los iconos contemporáneos. ¿Haces Pop Art?

Prefiero no clasificar y dejar que el observador interprete. Como dices, mi arte es ése: el de las referencias a las nuevas tecnologías y a los iconos contemporáneos. Me encanta observar a las personas, los lugares, y tengo verdadera pasión por la ilustración. Mi proceso de creación pasa por varias etapas: recojo imágenes, saco fotos cuando las necesito y, a partir de ahí, comienzo a esbozar mis ideas. Intento llevar a mi mundo todo lo que veo y me gusta. Opino que lo bueno de ilustrar es eso: crear un mundo propio.


¿Cuál es la reacción del público ante tus obras?

Mucha gente no entiende que no detalle el rostro de las personas, o que no intente perfeccionar la técnica de ilustración para hacerla más realista. Pero yo creo que está bien así, y cuando busco algo más detallado empleo el lápiz y no la ilustración vectorial.

+info: http://www.flickr.com/photos/ikero_henrique/